Fila Siete

Enero 2012

2012-02-01T00:05:00.171+01:00

Breaking Bad. 4ª Temporada, de Vince Gilligan. 2011. 12/10/2011-05/01/2012. ****

La maldición de los Bishop (Let's scare Jessica to death),
de John D. Hancock. 1971. 06/01/2012. **
The town, de Ben Affleck. 2010. 07/01/2012. ****
El caso Farewell, de Christian Carion. 2009. 10/01/2012. ***
Crazy, stupid, love, de Glenn Ficarra y John Requa. 2011. 13/01/2012. **
Im Juli, de Fatih Akin. 2000. 16/01/2012. ***
Nader y Simin (Jodaeiye Nader az Simin), de Asghar Farhadi. 2011. 17/01/2012. **
Happiness, de Todd Solondz. 1998. 20/01/2012. ****
La vida en tiempos de guerra (Life during wartime),
de Todd Solondz. 2009. 20/01/2012. *

Susanne Bier nació el 15 de abril de 1960 en Copenhague. Estudió en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca y se licenció en 1987. Fue semifinalista en los Premios de la Academia y ganó el Premio del Festival de la Escuela de Cine de Múnich por su corto de graduación. Bier ha sido una destacada participante del movimiento Dogma 95, bajo cuyos postulados realizó películas como Elsker dig for evigt (2002). Más tarde realizó el filme Brødre (2004), donde continuaría empleando una estética cercana a la de Dogma pero sin seguir al pie de la letra todas las reglas del movimiento. En 2006 filmó Efter brylluppet (Después de la boda), producción nominada al Óscar como Mejor Película en lengua no inglesa. En el 2007 estrenó Things we lost in the fire y en 2010 dirigió la película Hævnen (En un mundo mejor), con la que ganó el Globo de Oro 2011 y el Óscar de 2010 como Mejor Película Extranjera.

Después de la boda (Efter brylluppet), de Susanne Bier. 2006. 24/01/2012. ****
Cosas que perdimos en el fuego (Things we lost in the fire),
de Susanne Bier. 2007. 26/01/2012. ***
En un mundo mejor (Hævnen), de Susanne Bier. 2010. 29/01/2012. ***

Sobre la destitución de José Luis Cienfuegos (y II)

2012-01-21T21:30:00.002+01:00

¿Qué razones objetivas había entonces para destituir a José Luis Cienfuegos y "dar un nuevo rumbo" al certamen? Desde un punto de vista objetivo, está claro que pocas o ninguna. Se le podrían hacer ciertos reproches (nadie es perfecto), mostrar diferentes opiniones sobre la línea del certamen, diferentes matices, pero nunca serían suficiente justificación para una decisión tan drástica. Los actuales responsables políticos gijoneses, todos miembros de una formación montada a la carrera para satisfacer las ansias de poder de alguien a quien su anterior partido no dejó ser candidato, defendieron iniciamente su lamentable decisión sobre la base de una supuesta potenciación del "audiovisual asturiano".

A Carlos Pumares esto del audiovisual asturiano también le hace bastante gracia:

Carlos Pumares habla sobre el cese de José Luis Cienfuegos

Si esto fuera cierto, los realizadores de la tierra estarían a estas alturas dando palmas con las orejas. Pero va a ser que igual no es exactamente así...

¡Se están riendo!, por Tom Fernández
Un gijonés que no volverá al Festival de Cine de Gijón mientras sea para idiotas,
por Alberto Arce
Gracias, Cienfuegos, por tanto, por Eva Güimil

Manifiesto de cineastas asturianos
Una treintena de cineastas asturianos se desvincula del Festival de Cine
Tormenta de firmas en apoyo a Cienfuegos y el Festival de Cine de Gijón

El cine (o alrededores) asturiano ha tenido una representación constante en el Festival de Cine de Gijón desde la llegada de Cienfuegos. No ocurría lo mismo en la época de Plans, si nos ponemos. Si esa representación es escasa, justa o excesiva sería también opinable pero no parece que el argumento se sostenga demasiado. Y eso sin tener en cuenta el que estamos hablando de un Festival Internacional de Cine, no de la fiesta de la manzana o de un concurso de tonada. El nuevo responsable, Nacho Carballo, habla de quitarse complejos y de "no sentirse inferiores a nadie". Y lo hace desde su posición como "director de cine", denominación a la que ha accedido gracias a un par de cortos (Killer es el único acreditado en la IMDb). Quizá Cienfuegos es también el culpable de que a sus casi 40 años no tenga una nutrida filmografía galardonada con varios Premios Goya.

¿Pero quién es Nacho Carballo y cómo accede a la dirección del Festival Internacional de Cine de Gijón? Todo comienza con la llegada a la alcaldía de FAC. El pasado mes de julio, consciente de que "con una pequeña ayuda de sus amigos" podría conseguir sus propósitos, Carballo empezó a demostrar que su boca era más grande que su cerebro:

Resulta también ilustrativa la secuencia de tweets que el periodista de La Voz de Asturias, Miguel Barrero (quien más y mejor ha cubierto la noticia en la prensa local) publicó la pasada semana y que luego recogió en el siguiente post de su blog:

El 'affaire' Cienfuegos, por Miguel Barrero

A la vista de los hechos y de las reacciones que se han producido en los días pasados, creo que queda demostrado que ni había razón alguna para la destitución de Cienfuegos y que las formas de Nacho Carballo para acceder al cargo no han sido precisamente ejemplares. En un ejercicio de cinismo atroz, el presunto cineasta y confirmado pesebrero, pide ahora "una oportunidad" y tiende la mano a Cienfuegos y al resto de sus colaboradores: "no tienen las puertas cerradas" en la nueva etapa que él va a asumir. Es más, incluso afirma sin rubor que él no tiene la culpa de que se haya cambiado al director. Seguro que tampoco tendrá la culpa de que en el Facebook Oficial del FICX se hayan eliminado las críticas negativas a la destitución del anterior equipo organizador. Aunque siempre habrá un medio de comunicación amigo (entre amigos anda el juego...) dispuesto a echarle una mano. Para La Nueva España, Nacho Carballo "ha dado una lección de valentía y claridad afrontando el primer día de mandato entrevistas y preguntas hasta incómodas". "Valentía" y "Claridad", dos palabras que definen a la perfección al nuevo director del Festival de Cine de Gijón.

Cienfuegos como director del Festival de Cine de Gijón

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Exige la restitución de J.L. Cienfuegos al frente del FIC Xixon

Los dirigentes políticos del Foro Alvarez Cascos que gobiernan en el Principado y en el Ayto. de Gijón han arruinando el futuro del FIC Xixon, un festival de cine mundialmente reconocido por su independencia y sostenibilidad. La destitución de J.L. Cienfuegos como director del festival es una decisión bochornosa, revanchista y dramática para el festival y para la propia ciudad. [30 directores anuncian][1] que no participarán en el evento, más de [400 cineastas][2] de todo el mundo piden la restitución del director.

**16 años de profesionalidad, y todo el prestigio del festival, tirados a la basura en un sólo día.** Te pedimos que se lo digas a los responsables: patrocinadores, organizadores y colaboradores del festival. **¡Queremos que rectifiquen!**

Sobre la destitución de José Luis Cienfuegos (I)

2012-01-19T21:30:00.000+01:00

El pasado miércoles 11 de enero se anunció de forma sorprendente (o quizá no tanto) la destitución de José Luis Cienfuegos (Avilés, 1964), director del Festival Internacional de Cine de Gijón desde 1995, y su reemplazo por Nacho Carballo (Gijón, 1972). Siguiendo el manual de estilo por el que se rige actualmente la política municipal gijonesa, lo avisaron poco antes de hacerlo público y presentar a su sustituto. Y todo ello en el año del cincuentenario del festival. La noticia pronto causó un gran revuelo en las redes sociales y en los ambientes cinéfilos y sobre la misma ya se han vertido estos días muchas opiniones y escrito numerosos artículos. A continuación se recoge una muestra de algunos de ellos:

Don Pelayo contra la cultura, por Borja Hermoso. elpais.com
Por hacer las cosas bien, por Luis Martínez. elmundo.es
Una muerte anunciada, por Miguel Barrero. lavozdeasturias.es
La cultura herida, por Borja Crespo. elcorreo.com

Pequeño homenaje a un gran director: José Luis Cienfuegos, por José Luis Rebordinos

Manifiesto del mundo de la cultura en apoyo de José Luis Cienfuegos

El affaire de los Cien Mil Fuegos, por Isaki Lacuesta
Xixón no tiene lo que se merece, por Xabel Vegas

Cómo acabar de una vez por todas con el FICXixón, por Diego Cuevas
FICX. Primeras impresiones con sabor a confirmación, por Enrique del Teso

Algunos incluso se manifiestaron en la calle al día siguiente:

Cerca de mil personas se concentran contra la destitución de Cienfuegos

Y el propio protagonista de la noticia expuso su versión pasado un par de días:

Comunicado de José Luis Cienfuegos

Por tanto, poco más se puede aportar desde aquí que no se haya dicho antes y mejor pero vamos a dejar constancia de nuestra opinión, que ya se sabe que todo el mundo tiene una. Lo que pasa es que algunas son más fundadas que otras.

José Luis Cienfuegos llegó a la dirección del Festival de Cine de Gijón en el año 1995, siendo entonces alcalde de la ciudad el socialista Vicente Álvarez Areces. Cienfuegos, hasta entonces programador de la Obra Social y Cultural de Cajastur (fue, por ejemplo, el responsable del magnífico ciclo dedicado a Aki Kaurismäki - El Cine de la Caja, Nº36. Noviembre de 1993) y columnista de la prensa local. Sustituía en el cargo al escritor Juan José Plans, director del certamen gijonés entre las ediciones de 1988 y 1994. Entre las razones, nunca del todo aclaradas, de aquel relevo se adivinaba el malestar político causado por el anuncio de la presencia en Gijón de ciertas estrellas que luego nunca aparecieron. En la edición de 1994 el Festival había adelantado un sección, llamada Europa: The Movie Star, que en un principio iba a estar compuesta por una serie de títulos del viejo continente y cuyas estrellas protagonistas visitarían la ciudad. El ciclo finalmente acabo reducido a sólo dos: Madregilda y The long shadow, y las estrellas que deberían haber pasado por Gijón se quedaron reducidas a Juan Echanove (ese año era el presidente del Jurado Internacional) y Michael York. Aceptando a York como "estrella" (muy apagada ya incluso en el año 1994), el actor británico (que también iba a forma parte del Jurado) ni siquiera acudió a la cita y todo lo que vimos en Gijón de él fue un vídeo en el que se disculpaba por su ausencia. En fin, que el promocionado ciclo The Movie Star estaba gafado ya desde su mismo nombre y acabó siendo una fiasco notable. Seguro que algún político deseoso de hacerse la foto se agarró un buen cabreo al respecto (el mismo concejal del ramo de la época, Daniel Gutiérrez Granda, afirmó que "faltaron estrellas"), pero como motivo para cesar a Plans se antojaba un tanto peregrino. Es cierto que el Festival por entonces tenía muchos defectos (el anunciado ciclo de John Woo desapareció de la programación -que no del programa- y sólo se proyectó The killer, que no estaba anunciada, y en versión doblada) y que la acogida popular no era precisamente masiva, pero también que en 1994 se mejoraron ciertos aspectos organizativos y por primera vez en Gijón se sustituyeron los molestos auriculares de las traducciones simultáneas por un primitivo pero mucho más funcional sistema de subtitulado electrónico. Como aficionado al cine y a las películas, para mí era mucho más importante esta mejora que la visita frustrada de un Michael York, que poco o nada me interesaba, sobre todo cuando es bien sabido que Michael York o el mismísimo Lucero del Alba hubieran venido a Gijón si el presupuesto hubiera sido el suficiente para permitir tal circunstancia.

Pedro Almodóvar y Nacho Martínez en el Festival de Cine de Gijón en 1994

Así que sí, el Festival de Cine de Gijón ya existía antes de Cienfuegos, como han salido a decir con cierta mala uva estos días los defensores de la defenestración. Y sí, Cienfuegos también fue nombrado a dedo por un político.

La primera novedad introducida por la nueva organización (o puede que fuera impuesta, no lo sé) fue el cambio de fechas. De finales de julio se pasó a finales de noviembre. Yo entonces era estudiante y, lógicamente, tenía más tiempo libre en julio que en noviembre, así que la medida no me hizo muy feliz. En las primeras ediciones, además, las fechas coincidían con las del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, con cierta repercusión de aquella en los medios de comunicación y al que, andado el tiempo, Gijón casi borraría del mapa. Mirando hacia atrás, está claro que al final esa decisión no sólo no fue un error sino una de las razones del indiscutible fortalecimiento del certamen a partir de entonces. En 1995 visitaron Gijón Paul Schrader, Angelo Badalamenti o Stephen Frears. No creo que ninguno de los tres lo necesitase especialmente pero no está de más aclarar que no vinieron "diez días a comer y a vivir gratis de Gijón". Schrader fue protagonista de una completa retrospectiva de toda su obra y Badalamenti, músico de algunas de sus películas y habitual del cine de David Lynch, estuvo presente en la inauguración y en el homenaje al realizador de American Gigoló. Schrader participó también en un encuentro con el público con motivo del pase en el Teatro Arango (ese que ahora no existe) de Taxi Driver. Conviene aclararlo porque el nuevo director parece haber descubierto la idea de los Encuentros con el Público hace quince minutos y querer agenciársela como propia:

"Voy a decir una barbaridad, pero si traigo a Sylvester Stallone, no lo voy a traer para que pasee por la playa. Lo traeré para que tenga un encuentro con el público, hable de cine o de lo que quiera. No vamos a regalar dinero a nadie".

[No vamos a decir tampoco que es sincero, porque sincero no es, pero al menos reconoce que dice barbaridades...]

Nacho Carballo, nuevo director del Festival de Cine de Gijón

No sé la repercusión mediática que tuvo el Festival de Cine de Gijón de 1995. Seguramente escasa. Al fin y al cabo un festival de cine es algo que interesa a relativamente poca gente. En el último Festival de Cannes, El Festival por antonomasia, la ganadora de la Palma de Oro fue El árbol de la vida, una película que entre la masa que va al cine provocó colas pero para salir de la sala en mitad de la proyección. Si eso pasa con la ganadora en Cannes, ¿qué no pasará con las modestas películas independientes que participan en un festival pequeño como el de esta ciudad?

La repercusión cinéfila de la cita, sin embargo, fue más que positiva y la nueva organización pasó con nota la prueba. Se siguieron produciendo ciertas chapucillas organizativas, más que habituales también en los años anteriores a 1995, pero en general todos los cambios fueron para mejor. Y manteniendo una misma línea, vocacionalmente transgresora, provocativa y progresivamente radical, Gijón siguió haciendo ruido durante los años siguientes hasta lograr una consolidación como no había tenido nunca en sus más de 30 años de historia previa, una identidad propia y reconocible en el sobrecargado panorama de los festivales de cine y un incremento constante del público asistente hasta el punto de que ver el cartél de "Entradas agotadas" se fue haciendo cada vez más habitual. Y todo ello con una organización modélica que en los últimos años funcionaba como un reloj. Si uno quería sacar entradas para la inauguración y la clausura sabía cuándo y a dónde acudir. Si se quería sacar el abono o la acreditación, canjearlos, etc, etc, lo mismo. Todo seguía un criterio bien definido y conocido de antemano. Y sólo un necio, un mentiroso o un concejal de FAC (valga la redundancia) puede discutir esta verdad absoluta.

Sí, está claro que Cienfuegos quiso hacer "su" festival. Pero lo importante es que lo hizo bien y, sobre todo, que además "su festival" resultó que gustaba a mucha más gente que el anterior. Las cifras de asistencia que se han publicado ahora son tozudas. Los mismos necios de antes podrán ponerlas todo lo en duda que quieran pero cualquiera que se haya pasado por los Cines Centro o por el Jovellanos en los últimos años -mismamente en noviembre pasado, sin ir más lejos- habrá podido comprobar por su propia experiencia que las salas se llenaban, que las entradas se agotaban y que las colas, en ocasiones (Blue Valentine, Jovellanos, 2010, por poner un ejemplo), daban la vuelta a Begoña.

Entonces, ¿qué razones objetivas había para destituir a José Luis Cienfuegos?

Diciembre 2011

2012-01-01T00:05:00.002+01:00

La mosquitera, de Agustí Vila. 2010. 05/12/2011. **
Héroes (Herois), de Pau Freixas. 2010. 06/12/2011. ****

Mildred Pierce. 1ª Temporada, de Todd Haynes. 2011. 07/12/2011-10/12/2011. ***

The killing. 1ª Temporada, de Veena Sud. 2011. 10/12/2011-16/12/2011. ****

La casa de Grindstone Road (Grindstone Road), de Melanie Orr. 2008. 18/12/2011. *
Bajo cero (Frozen), de Adam Green. 2010. 18/12/2011. **
Confessions (Kokuhaku), de Tetsuya Nakashima. 2010. 19/12/2011. *
Encontré al diablo (Akmareul boatda), de Jee-woon Kim. 2010. 20/12/2011. *

Noviembre 2011

2011-12-01T00:05:00.000+01:00

Vidas robadas (Stolen lives), de Anders Anderson. 2009. 01/11/2011. **
Lake Mungo, de Joel Anderson. 2008. 02/11/2011. *
Elsewhere, de Nathan Hope. 2009. 03/11/2011. ***
Amanda Knox. Murder on trial in Italy, de Robert Dornhelm. 2011. 05/11/2011. *
Control, de Anton Corbijn. 2007. 08/11/2011. ****
Cold weather, de Aaron Katz. 2010. 10/11/2011. *
Feliz Navidad (Joyeux Noël), de Christian Carion. 2005. 30/11/2011. **

49 Festival Internacional de Cine de Gijón (Clausura)

2011-11-27T14:00:00.002+01:00

The woman in the fifth, de Pawel Pawlikowski. Sección Oficial. Clausura.

Otra edición más del Festival de Cine de Gijón que llegó a su fin y lo hizo con una gala de clausura presentada por Pepe Colubi, maestro de ceremonias residente en La Laboral, quien estuvo acompañado esta vez por la modelo y actriz gijonesa Blanca Romero. Si el año pasado a Paula Prendes le bastó con estar buena y ser de Gijón para justificar su presencia allí, lo mismo puede decirse ahora de la protagonista de After, que se limitó a leer con escasa gracia sus frases del guion, presentar el premio de turno y meter la pata en innumerables ocasiones con la pronunciación, ya fuera en inglés, francés o latín, de los nombres de los galardonados. Suerte que a Colubi le sobran tablas en estos menesteres y de nuevo sacó adelante la tarea con buena nota. La Casa Real volvió a ser la protagonista de sus chistes, en especial el raro accidente doméstico sufrido recientemente por el monarca, así como el cambio electoral del pasado domingo. Previa a la aparición de los presentadores y de los premiados, el colectivo Plataforma, integrado por Filmfoto y por los músicos Ramón Prada y Komatsu, ofreció un espectáculo en directo de música e imágenes que no resultó especialmente afortunado.

En lo que se refiere a la entrega de premios, el argentino Santiago Mitre subió hasta en tres ocasiones al austero escenario del Teatro de La Laboral para recoger los recibidos por su multipremiada El estudiante. Ganadora ex aequo (una curiosa forma de leerlo la de Blanca Romero), junto a la francesa La guerre est déclarée, del Premio del Jurado Internacional, el reconocimiento oficial coincidió también con el del Jurado Joven, algo que no suele ser precisamente habitual en el certamen gijonés y que está vez fue bastante justo y coherente. Menos justo y menos coherente fue el premio de Mejor Director para Ruben Östlund por la abominable Play. En el resto no hubo demasiadas sorpresas. Tomboy, como estaba cantado, se alzó con su más que merecido Premio Rellumes y nada que objetar a los premios de interpretación para los dos excelentes protagonistas de La guerre est déclarée.

Como ya es tradicional en el Festival de Gijón desde hace unos cuantos años, se entregó también el Premio Nacional de Cinematografía Nacho Martínez, que recayó en este caso en el director Montxo Armendáriz, autor de algunos títulos tan destacados como Tasio o Secretos del corazón y también de otros bastante menos afortunados como Obaba o No tengas miedo. El veterano cineasta navarro recordó entrañablemente la figura del fallecido actor mierense y mostró sus buenos deseos al equipo organizador del festival ("tiene todo mi apoyo y ojalá no exista ningún tipo de recorte ni elemento que pueda perjudicarle"), algo que también hicieron los miembros del Jurado Internacional a través de su portavoz Fernando Lara.

La ceremonia se cerró con la proyección de la película The woman in the fifth, último trabajo del director polaco afincado en Francia Pawel Pawlikowski, ganador en Gijón en el año 2000 con su filme Last Resort y protagonista de una completa retrospectiva en la edición de 2007. The woman in the fifth es la adaptación de la novela de Douglas Kennedy del mismo título y muestra el inquietante descenso a los infiernos de su protagonista, un escritor americano que lucha por poder estar con su pequeña hija, en un atípico París, claustrofóbico y agobiante. Interpretada solventemente por Ethan Hawke, la película juega con elementos fantásticos para mostrar el progresivo deterioro de la salud mental del personaje central y no alarga su metraje más de lo necesario. Es pausada, irregular y por momentos resulta hasta brillante, aunque quizá su tono no sea el más apropiado para cerrar un festival.

Kristin Scott-Thomas y Ethan Hawke protagonizan The woman in the fifth

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49 Festival Internacional de Cine de Gijón (Palmarés)

2011-11-26T13:00:00.000+01:00

PALMARÉS 49FICXIXÓN

El Jurado Internacional de la 49ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, integrado por: Eduardo Chapero-Jackson, Alberto Fuguet, Fernando Lara, Lola Mayo y Mira Staleva desea mostrar su apoyo al Festival Internacional de Cine de Gijón por su inestimable y necesaria labor en defensa del cine independiente y ha concedido los siguientes premios a las películas participantes en la Sección Oficial:

PREMIO PRINCIPADO DE ASTURIAS AL MEJOR LARGOMETRAJE EX AEQUO es para:
La guerre est déclarée de Valérie Donzelli
(Francia, 2011)
y
El estudiante de Santiago Mitre
(Argentina, 2011)

PREMIO PRINCIPADO DE ASTURIAS AL MEJOR CORTOMETRAJE EX AEQUO es para:
At the Formal de Andrew Kavanagh
(Australia, 2010)
y
Meteor de Christoph Girardet y Matthias Müller
(Alemania, 2011)

PREMIO AL MEJOR DIRECTOR:
Ruben Östlund por Play
(Suecia, 2011)

PREMIO AL MEJOR ACTOR:
Jérémie Elkaïm por La guerre est déclarée
(Francia, 2011)

PREMIO A LA MEJOR ACTRIZ
Valérie Donzelli por La guerre est déclarée
(Francia, 2011)

PREMIO AL MEJOR GUIÓN :
Santiago Mitre por El estudiante
(Argentina, 2011)

PREMIO "GIL PARRONDO" A LA MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA:
Elena Zhukova por Faust
(Rusia, 2011)

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO:
Take Shelter de Jeff Nichols
(Estados Unidos, 2011)

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO:
Por su honesta y nítida mirada hacia el frágil mundo de la adolescencia a través de las vivencias concretas de sus cuatro personajes principales.

Iceberg de Gabriel Velázquez
(España, 2011)

El público de la 49ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón ha concedido el

PREMIO "RELLUMES" a la película:
Tomboy de Céline Sciamma
(Francia, 2011)

El Jurado FIPRESCI de la 49 edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, integrado por: Gabriele Barrera, Alejandro G. Calvo y Vladan Petkovic, ha concedido el

PREMIO FIPRESCI a:
Terri de Azazel Jacobs
(Estados Unidos, 2011)

El Jurado Joven de la 49ª Edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por jóvenes de entre 17 y los 25 años, ha otorgado los siguientes premios:

PREMIO DEL JURADO JOVEN AL MEJOR LARGOMETRAJE:
El estudiante de Santiago Mitre
(Argentina, 2011)

PREMIO DEL JURADO JOVEN, AL MEJOR CORTOMETRAJE:
Voice Over de Martín Rosete
(España, 2011)

Los jóvenes espectadores de la sección "Enfants Terribles" por medio de sus votaciones, han otorgado el siguiente premio:

PREMIO ENFANTS TERRIBLES AL MEJOR LARGOMETRAJE:

Papá, soy una Zombi de Ricardo Ramón y Joan Espinach
(España, 2011)

El Jurado de la sección "Día D’Asturies", formado por Philip Engel, Verónica García y Antonio Virgili ha concedido el Premio "DÍA D’ASTURIES", patrocinado por TPA, al cortometraje:

Festuki de Francisco de Borja Fernández

El Jurado del Premio Nuevos Realizadores del Principado de Asturias, formado por Belén Alicia Fernández, Luis Argeo, Sarah Calderón, Jose Luis Cienfuegos e Ignacio Riestra y patrocinado por el Servicio de Juventud de la Dirección General de Políticas Sociales de la Consejería de Bienestar Social e Igualdad del Principado de Asturias y Cajastur, ha concedido su premio al siguiente proyecto:

El primer día del resto de mi vida
presentado por Marta Loza Alonso

El jurado formado por Guadalupe Arensburg, José Luis Cienfuegos y David Rodríguez, ha concedido el premio "PROYECTO CORTO CANAL + 2011" al proyecto de cortometraje titulado:

Misterio
presentado por Chema García Ibarra

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49 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 8)

2011-11-26T10:00:00.002+01:00

Vol Spécial, de Fernand Melgar. Sección Oficial.
Terri, de Azazel Jacobs. Sección Oficial.
The Stoker, de Aleksey Balabanov. Rellumes.

Vol Spécial. Trailer.

El cine documental solía contar con una sección competitiva propia en el Festival de Gijón pero los ajustes en el presupuesto del certamen han obligado a eliminar del palmarés final la categoría de No Ficción. Vol Spécial, del director suizo de origen español Fernand Melgar, opta a premio en la Sección Oficial y cuenta las historias reales de diferentes inmigrantes recluidos en el Centro Frambois de Ginebra en espera de su deportación a sus respectivos países de nacimiento. Poco importa que en algunos casos lleven hasta 20 años de residencia en Suiza. Tras permanecer hasta un máximo de dos años en estos centros de detención, finalmente la mayoría son repatriados en los vuelos especiales a los que se refiere el título. Las vivencias cotidianas que explora la cámara de Melgar muestran las relaciones de los internos entre sí y también con el personal de la institución, quienes se limitan a cumplir los mandatos de la legislación del país de los relojes de cuco y paraíso fiscal por excelencia.

El estadounidense Azazel Jacobs dirige Terri, una película protagonizada por un adolescente obeso (Jacob Wysocki) que viste permanentemente en pijama, incluso para asistir al instituto, y que, con sus padres en paradero desconocido, vive con un tío anciano y enfermo. El filme sigue sus peculiares andanzas escolares y en especial su relación con el director del colegio, interpretado por el siempre excelente John C. Reilly, con el que se reúne semanalmente. Terri es una comedia marciana que se sigue en todo momento con interés pero que deja esa molesta sensación, tan habitual en el cine independiente americano, de no llegar a captar totalmente el sentido y finalidad de su osada y original propuesta.

La joven Olivia Crocicchia en una imagen de Terri

Aleksey Balabanov lleva camino de convertirse en una figura de referencia en Gijón. En 2007 presentó Cargo 200 en la Sección Oficial y se llevó con ella el premio de Mejor Director. Hace dos años el festival le dedicó una completa retrospectiva y el realizador ruso aprovechó el viaje a la costa asturiana para darse un baño de madrugada en la Playa de San Lorenzo, motivo por el que fue socorrido por la Policía. En la presente edición participa en la sección Rellumes con The stoker (El fogonero), otro de sus habituales excesos narrativos, aunque menos divertido y sorprendente que los anteriores. Un antiguo comandante del Ejército Rojo pasa sus días de retiro militar entregado a su actual trabajo como fogonero y a la escritura a máquina de un libro en el que lleva mucho tiempo trabajando. Por el fuego de su caldera van desapareciendo el carbón y los cadáveres que un militar mafioso de última generación trae regularmente. El fogonero hace la vista gorda hasta que en un determinado momento decide tomar cartas en el asunto. Al ritmo de una incesante y omnipresente musiquilla de tómbola, está claro que Balabanov no se toma nada en serio la historia. El problema es que tampoco consigue que sea demasiado divertida y/o irónica, por lo que al final el resultado se queda en desangelado y poco estimulante, aunque se agradece que no se estire más de la cuenta.

The Stoker. Trailer.

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49 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 7)

2011-11-25T10:00:00.229+01:00

Michael, de Markus Schleinzer. Sección Oficial.
Aquele querido mês de agosto, de Miguel Gomes. Géneros Mutantes.
Arrugas, de Ignacio Ferreras. Esbilla.
Un amour de jeunesse, de Mia Hansen-Løve. Sección Oficial.

Michael. Trailer.

Pese a que en el programa de mano del festival y en los carteles colocados a las puertas de las taquillas y de las salas se advierte de que, por respeto al resto de espectadores, no se permitirá la entrada una vez comenzada la proyección, lo cierto es que esto no se cumple ni siquiera en los pases de prensa. Durante la película austriaca Michael, dirigida por Markus Schleinzer, se produjo un molesto desfilar de personas, algo que se ha repetido ya en un bueno número de veces de lo que llevamos de certamen. Es una batalla perdida pero por insistir que no quede. En lo que se refiere al filme, incluido en la Sección Oficial a concurso, decir que se trata de la historia de un discreto oficinista que cuando llega a casa prodiga sus atenciones, incluidas las sexuales, a un niño de corta edad al que mantiene recluido en su bien protegido sotano. Inquietante y perturbadora, Michael no resulta plato de buen gusto. Muestra poca o ninguna compasión por su personaje protagonista, aunque tampoco explora en su psicología más allá de la aterradora superficie. Deudora del mejor cine de Haneke (que no en vano aparece mencionado en el capítulo de agradecimientos de los créditos finales del filme), la película de Schleinzer explota acertadamente el uso del fuera de campo y cuenta con una notable interpretación de Michael Fuith, claro candidato al premio de Mejor Actor si no fuera por lo macabro y poco edificante de su papel.

Se anunciaba como multipremiada en diferentes festivales pero yo ni siquiera sería capaz de decir de qué trata la increíblemente larga película Aquele querido mês de agosto, dirigida por Miguel Gomes en el año 2008. Por momentos parece el rodaje de un documental sobre los usos y costumbres de un pueblo perdido del Portugal profundo, en otros un musical hortera sobre las actuaciones de una orquesta verbenera y por último un triángulo sentimental entre miembros de una misma familia. El principal problema es que nada interesa de ninguno de los tres asuntos y cuando parece que sí puede interesar, ese interés dura poco y rápidamente se desvanece para volver a escuchar la enésima canción hortera o el enésimo diálogo absurdo. Parece que esa misma impresión tuvo la mayoría del público presente en los Cines Centro y en torno a la primera hora de metraje se inició un lento pero constante desfilar de personas hacia la puerta de salida que prácticamente se mantuvo invariable hasta el final del filme.

Fábio Oliveira y Sónia Bandeira protagonizan Aquele Querido Mês de Agosto

Arrugas, por contra, sí resulta plenamente reconocible y disfrutable desde el principio al final. Es la adaptación cinematográfica del popular y premiado cómic homónimo escrito y dibujado por el valenciano Paco Roca, que ha dirigido Ignacio Ferreras y producido Manuel Cristóbal, presente en la sala para presentar la película y demostrar de paso lo encantado que está de haberse conocido. La versión fílmica de Arrugas incluye algunos pequeños cambios respecto a su modelo original, seguramente para alcanzar una duración de largometraje estándar, pero que no alteran sustancialmente la base del cómic que sigue siendo, como es bien sabido, la historia de unos ancianos internados en una residencia con diferentes grados de Alzheimer. La calidad de la animación juega en una liga diferente respecto a la de los grandes estudios estadounidenses pero el material de partida es tan bueno que los resultados alcanzados son plenamente capaces de divertir y emocionar a partes iguales. La película ha pasado también por el Festival de San Sebastián y tiene anunciado su estreno para febrero de 2012

La directora francesa Mia Hansen-Løve repite presencia en el Festival de Gijón y lo hace concursando en la Sección Oficial con su filme Un amour de jeunesse, una historia de amor iniciática entre dos adolescentes que prolongan sus encuentros y desencuentros de forma bastante artificial durante una década, que se traducen en casi dos horas de metraje. Pese al cierto dominio de la cámara que demuestra su realizadora, la película es reiterativa y pesada y no consigue conmover de la forma en que sin duda pretende, alargando innecesariamente su conclusión. Parece querer seguir, sobre todo en su comienzo y su primera mitad, la senda del cine del fallecido Eric Rohmer (Mia Hansen-Løve reconoció en el coloquio posterior sus influencias de la nouvelle vague) pero los resultados están lejos de ser ni parecidos. Un cierto gusto en la composición de los planos no acaba de resultar suficiente para insuflar la vida necesaria a la película y aunque los jóvenes actores (Lola Créton y Sebastian Urzendowsky) están más que convincentes en sus interpretaciones, el resultado final no pasa de mediocre.

Un Amour De Jeunesse. Trailer.

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49 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 6)

2011-11-24T10:00:00.187+01:00

El Estudiante, de Santiago Mitre. Sección Oficial.
Eighty Letters (Osmdesát dopisu), de Václav Kadrnka. Rellumes.
Miss Bala, de Gerardo Naranjo. Géneros Mutantes.

El Estudiante. Trailer.

Está rodada en vídeo y repleta de primerísimos planos que por momentos llegan a resultar agobiantes pero El estudiante, el segundo largometraje del argentino Santiago Mitre, es un trabajo interesante, narrado con brío y que se sigue siempre con interés. Su protagonista, Roque Espinosa (Esteban Lamothe), es un estudiante de esos que han empezado muchas carreras y que no han terminado ninguna. Su probada falta de éxito en los estudios no se da, sin embargo, con las mujeres. Su interés por una, la joven y guapa profesora Paula Castillo (Romina Paula), le llevará a introducirse casi sin quererlo en el mundo del asociacionismo juvenil y hasta en la carrera política por lograr el rectorado de la Universidad de Buenos Aires. Lo que viene a contar al final El estudiante es que las motivaciones de Roque no son mucho peores que las de otros compañeros con unos ideales supuestamente más nobles y que las componendas, traiciones y pactos a los que deberá asistir poco o nada tienen que ver con las intenciones iniciales. Pese a todo, el director y guionista deja abierta una pequeña puerta a la esperanza en la conclusión de un filme que destaca sobre todo por su ritmo constante y por las notables interpretaciones de todos sus protagonistas.

Ritmo no es precisamente lo que tiene Eighty letters, primer largometraje de su director y uno de los mayores ladrillos que recuerdo haber visto en años. Con la ridícula justificación de su carácter autobiográfico, el checo Václav Kadrnka (llamarle cineasta sería mucho decir) filma una insoportable narración cuya absoluto desconocimiento del sentido de la elipsis implica que el espectador tenga que asistir a numerosos planos y secuencias de sus protagonistas realizando acciones tan apasionantes como correr, coger autobuses, subir y bajar escaleras o pasar páginas hacia adelante y hacia atrás. Todo para venir a contar, o al menos intentarlo, que en los países de la Europa del Este la gente las pasaba muy putas hace veinticinco años (ahora creo que viven todos como Dios). No hay diálogos, no hay personajes, no hay trama, no hay desarrollo, no hay emoción ni hay nada de nada en Eighty letters. Sólo setenta y cinco minutos que parecen setenta y cinco días de lo interminables y eternos que se hacen. Pero eso sí, hay que tenerlos de plomo para rodar una cosa como ésta y encima una suerte de caballo para que además te la programen en festivales y te inviten a cerveza.

Stephanie Sigman protagoniza Miss Bala, de Gerardo Naranjo

Miss Bala se anunciaba como cine de género. Una película mexicana con narcos y policías y una chica atrapada en medio. Sobre el papel parecía de lo más interesante. Sin embargo, está claro que para que al cine de género se le tome en serio como tal tiene que ser aburrido. Si además es confuso, mal escrito y peor narrado, entonces ya se dan todas las condiciones para que le sea perdonada su bastarda naturaleza. Los actores Gael García Bernal y Diego Luna están detrás de la producción y se ve que el director Gerardo Naranjo se lo ha pasado en grande fundiendo alegremente el presupuesto en unas cuantas escenas de tiros y sangre pero el guion hace aguas por todas partes y su historia mínima y fatalmente expuesta no sirve para mantener el interés del espectador durante las casi dos horas que dura el filme. La protagonista Stephanie Sigman se pasa con cara de susto todo este tiempo, los malos hacen cosas de malos y los buenos también hacen cosas de malos. Al final se muestra un cartelito informativo y a correr. Existe la mala costumbre de no subtitular al castellano las películas sudamericanas y es algo que considero un error ya que la mayoría de las veces es imposible entender a los intérpretes. Es el caso también de Miss Bala, aunque aquí da un poco igual porque los diálogos son básicamente una mierda y tampoco se pierde mucho.

Miss Bala. Trailer.

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49 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 5)

2011-11-23T10:00:00.133+01:00

On the ice, de Andrew Okpeaha MacLean. Enfants Terribles.
Tomboy, de Céline Sciamma. Rellumes.

A diferencia de lo que ocurriera en la jornada del lunes, cuando el Encuentro con el Público con motivo de la proyección de Les géants se cayó del programa sin aviso ni explicación, esta vez sí compareció en los Cines Centro el director Andrew Okpeaha MacLean para hablar con el público gijonés sobre su filme On the ice, enmarcado en la sección Enfants Terribles. A juzgar por las opiniones expresadas por el respetable en el turno de preguntas, la película gustó bastante, lo que me resulta sorprendente por cuanto se trata de un trabajo repetitivo y cansino a más no poder que estira y estira su conflicto argumental hasta aburrir a las ovejas. En los helados parajes de Alaska, dos amigos inuits matan accidentalmente a un tercero. Superados por la situación, deciden ocultar el cádaver y contar a su regreso que el muerto ha desaparecido en el hielo fundido. La conmoción generada en la comunidad por el suceso da pie al director, también inuit, a explorar las reacciones de las partes implicadas, básicamente los dos personajes protagonistas: el bueno y responsable que va a ir a la universidad y el yonkarra que no recuerda lo sucedido porque iba hasta arriba de drogaína en el momento de los hechos. Las sospechas del padre del primero (interpretado por un actor con permanente cara de mala hostia) acaban desembocando en un desenlace anticlimático, previsible y tan ramplón como todo lo anterior. Olvidable desde ya mismo.

Por su parte, la película francesa Tomboy, a concurso dentro de la sección Rellumes, está protagonizada por una niña de diez años (Zoé Héran) que no quiere serlo. Es verano, acaba de mudarse junto a su familia a un nuevo bloque de viviendas y ante sus nuevos amigos se hace pasar, casi involuntariamente, por un chico. Juega al fútbol como los chicos, pelea como los chicos e incluso se besa con la única chica de la pandilla (Jeanne Disson). Se acerca el inicio del curso escolar y la bola de nieve del engaño se va haciendo más y más grande, involucrando también a su pequeña hermana de seis años (Malonn Lévana), y acabará por romperse con perturbadoras consecuencias. Cediendo todo el protagonismo de la historia a sus magníficos intérpretes infantiles, la directora Céline Sciamma, debutante en el campo del largometraje, consigue extraer grandes trabajos de todos ellos y logra de esta manera los mejores momentos de su filme. Es un trabajo casi minimalista, bonito, sensible y emocionante, que probablemente estará entre los preferidos del público al final del certamen.

Tomboy. Trailer.

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49 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 4)

2011-11-22T10:00:00.181+01:00

Youth in revolt, de Miguel Arteta. Géneros Mutantes.
Les géants, de Bouli Lanners. Sección Oficial.
The future, de Miranda July. Sección Oficial.

La cuarta jornada del Festival ha visto asomar por primera vez la lluvia desde hace casi una semana. Las películas del día han estado un poco como el clima y ninguno de los tres títulos de hoy, dos de ellos a concurso en la Sección Oficial, han deparado grandes alegrías.

Michael Cera y Portia Doubleday en Youth in revolt

Youth in revolt, del cineasta puertorriqueño Miguel Arteta, está encuadrada dentro del ciclo Géneros Mutantes, aunque parece bastante más propia para la sección Enfants Terribles, y supone la enésima revisión del clásico argumento de joven pardillo adolescente que quiere perder la virginidad con la chica de sus sueños que casualmente vive en la puerta del lado. Nadie mejor que Michael Cera para protagonizar el filme, repitiendo el mismo personaje que ha interpretado en aproximadamente todos sus papeles desde los ya lejanos tiempos de la serie Arrested Development. Aquí conseguirá su objetivo, aunque para ello deba valerse de la ayuda de un imaginario alter ego que le ayudará a potenciar su lado más oscuro. La película de Arteta, director de The good girl, es moderadamente divertida y rápidamente olvidable. Cuenta con pequeñas apariciones de algunos rostros destacados del cine americano como Steve Buscemi, Zach Galifianakis o del últimamente bastante perdido Ray Liotta. Pese a ser una producción del año 2009 y medianamente comercial, Youth in revolt permanece inédita en las taquillas españolas y no parece probable que esa situación vaya a alterarse.

Youth In Revolt. Trailer.

El actor, guionista y director belga Bouli Lanners es otro de esos cineastas que ya ha tenido presencia en el pasado en el Festival de Cine de Gijón. La última vez fue con Eldorado, un desconcertante filme que te dejaba con la molesta sensación de no saber muy bien qué había querido contar su autor. Algo parecido sucede también ahora en el caso de Les géants. Con un guion que consiste únicamente en la acumulación de secuencias, algunas absurdas y otras delirantes, la película se acaba sólo ochenta minutos después de su comienzo sin que sepamos mucho más de sus jóvenes personajes protagonistas a la deriva ni tampoco qué peregrinos razonamientos los han conducido a hacer las cosas que hacen. Les géants tiene bonita música y bonita fotografía y es lo suficientemente corta como para no llegar a irritar pero la naturaleza y motivaciones de su propuesta siguen siendo bastante misteriosas y los resultados finales definitivamente prescindibles.

The future, de la estadounidense Miranda July, también es extraña y desconcertante, aunque en su caso una realización intencionadamente hipnótica juega a su favor y durante algunos momentos de su metraje consigue incluso llegar a emocionar. En otros, desgraciadamente, la película desciende a la tierra y se queda más cerca del aburrimiento que de otra cosa pero al menos se le debe valorar justamente lo original y arriesgado de su propuesta. July escribe, dirige y también protagoniza el que supone su segundo largometraje, tras la muy aclamada Tú, yo y todos los demás. Con apenas cuatro personajes y la voz en off de un gato cojo que actúa como narrador de la historia se sostienen los noventa minutos que dura The future. Lo mejor que se puede decir del trabajo de su autora es que casi consigue que sea suficiente.

The Future. Trailer.

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49 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 3)

2011-11-21T10:00:00.161+01:00

La guerre est déclarée, de Valérie Donzelli. Sección Oficial.
Avé, de Konstantin Bojanov. Rellumes.
Dark Horse, de Todd Solondz. Seccíon Oficial.

Después del mal sabor de boca dejado ayer por la sueca Play, hoy hemos visto dos títulos de la Sección Oficial totalmente diferentes entre sí y también respecto a aquélla. La guerre est déclarée es una película francesa escrita, dirigida e interpretada por Valérie Donzelli (también está acreditada como maquilladora, un no parar lo de esta mujer...) y que acaba de ser elegida por Francia para representarla en la carrera por el Oscar. Se trata de un filme cuya temática y posible tratamiento podrían en un principio echar para atrás por distintas razones. El cáncer no resulta un asunto agradable sobre el que montar un entretenimiento, que es lo que por encima de todo debe de ser el cine, y La guerre est déclarée trata sobre eso. Concretamente del cáncer infántil, como el que le detectan al pequeño Adam cuando apenas ha cumplido su primer año de vida. Sin embargo, Donzelli sale muy bien parada del empeño y construye un relato que se sigue siempre con interés, fantásticamente bien intrepetado por todo su reparto, realista y cercano al espectador y, al mismo tiempo, brillante y ensoñador.

Ovanes Torosian y Angela Nedialkova, protagonistas de Avé

Avé, del búlgaro afincado en Nueva York Konstantin Bojanov, tampoco es precisamente la alegría de la huerta. Enmarcada dentro de la sección Rellmumes y construida según el tradicional formato de las road-movies, la película sigue la relación entre dos -chico y chica- jóvenes autoestopistas que se conocen por azar saliendo de la ciudad de Sofía y que unen sus destinos sin una razón muy concreta. Los dos ocultan profundas heridas en su interior que poco a poco se van desvelando a través de una narración intimista que busca la comedia en algunas ocasiones pero que la mayoría de las veces se tiñe de un dramatismo pesimista. Él (Ovanes Torosian) y ella (Angela Nedialkova) están muy convincentes en sus respectivas interpretaciones y el filme no se alarga más allá de lo necesario. Bojanov, director debutante en el terreno de la ficción, presentó su película en los Cines Centro y participó en un encuentro con el numeroso público al final de la misma.

Avé. Trailer.

El estadounidense Todd Solondz es un viejo conocido del certamen gijonés. En el año 2005 el festival ya le dedicó una retrospectiva a pesar de que en aquel momento el cineasta sólo tenía en su haber tres largometrajes realizados. La carrera de Solondz desde entonces no ha terminado de confirmar las expectativas despertadas sobre todo por sus dos primeros trabajos, las excelentes Bienvenidos a la casa de muñecas y Happiness. Ahora participa en la Sección Oficial a concurso con su último filme, Dark Horse, que viene a ser una continuación lógica de sus temáticas habituales. Abe, el protagonista, es la quintaesencia del personaje de las películas de Todd Solondz. Gordo, feo, vago e inadaptado, el tratamiento que el cineasta hace de él resulta tan cruel como en sus obras precedentes y la moraleja final también viene a ser un poco la misma: el resto del mundo no es mucho mejor. Como también ocurría en Happiness, no queda claro si Dark Horse es una comedia disfrazada de película de terror o una película de terror disfrazada de comedia. Superado el factor sorpresa del cine de Solondz, la escasa empatía que despiertan sus personajes hace difícil conectar con ellos y Dark Horse no es ajena a este problema. La frialdad de su tono ya no sorprende como hace una década y los resultados, por esa razón, tampoco son ya los mismos.

Dark Horse. Trailer.

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49 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 2)

2011-11-20T10:00:00.137+01:00

Play, de Ruben Östlund. Sección Oficial.
Five Time Champion, de Berndt Mader. Enfants Terribles.

Tiene una nota muy respetable en la Internet Movie Database, un argumento que a priori parecía interesante y las buenas referencias de su paso por la Quincena de Realizadores del último Cannes. Pero sin embargo Play es una mierda como la manga de un abrigo. La (interminable) presentación que realizó su director sobre el escenario del Teatro Jovellanos (acompañado de la productora y de uno de los actores adultos, pero a ellos no les dejó abrir la boca) ya anticipaba lo peor. Ruben Östlund no parecía confiar mucho en la capacidad de expresión de su película y se tiró un buen rato dando la chapa al público gijonés. Como quiera que Play dura 118 minutos se ve que la contención y la síntesis no van con el director sueco. El filme se inicia con un largo plano (el primero de los muchos que luego vendrán) con la cámara fija observando a un grupo de chavales en un centro comercial. La duración de la secuencia confirma que el ritmo trepidante y el montaje acelerado no van a ser algunas de las características de la historia. Unos pardillos (blancos rubísimos, aunque también hay un chino que toca el clarinete para dar la nota integradora) son asaltados por unos malotes (sucios negros inmigrantes) y se inicia un tour de force de acoso (o bullying, si optamos por emplear el anglicismo tan de moda en los últimos tiempos) que dura prácticamente la totalidad del inacabable metraje. Como si de un corto alargado se tratase, Play resulta repetitiva hasta el agotamiento. También molesta, desagradable y profundamente abyecta en su forma y fondo. Se merece todos los (des)calificativos que a uno se le ocurran. No encuentro absolutamente nada que salvar de ella. Lo mismo pilla cacho en el palmarés final.

Play. Trailer.

Five time champion también tiene un protagonista juvenil que las pasa algo canutas y, como Play, también está rodada en vídeo digital pero ahí se acaba cualquier paralelismo con la película sueca. Berndt Mader, presente en los Cines Centro para introducir su filme y para participar en un encuentro con el público, se expresa bastante mejor que Östlund (al que el diablo confunda), tanto con las palabras como con la cámara. Su realización es un trabajo amable sobre los problemas de identidad de un adolescente que parece encontrarse en una encrucijada decisiva de su vida. La figura del padre ausente, sobre el que se escuchan rumores de homosexualidad, ejerce una influencia desde la distancia en las relaciones del protagonista con su novia, pero también con su futurible padrastro (o padrastros) e incluso con sus abuelos. Su inconformismo y progresivo cabreo acabarán reconduciéndose gracias a un guion no especialmente original ni especialmente brillante pero sí simpático, cercano y entrañable que al menos sirve para olvidar parcialmente lo que habiamos visto poco antes. Los intérpretes cumplen más que sobradamente y Five time champion termina por ser un título definitivamente reivindicable. Berndt Mader, director debutante, contestó en un más que digno castellano todas las preguntas que le realizaron los espectadores que se quedaron al final de la proyección. Explicó, entre otras cosas, que el guion de su película surgió de la fusión de dos historias independientes (la del protagonista juvenil y la de sus abuelos) que unió para hacer su primer largo y explicitó algunas de las metáforas que incluye su filme.

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49 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 1)

2011-11-19T10:00:00.127+01:00

Take Shelter, de Jeff Nichols. Inauguración. Sección Oficial.

La palabra de moda de los últimos tiempos es "recortes" y en ellos está sumido también el Festival Internacional de Cine de Gijón. Con menos presupuesto que en la pasada edición, una de las partidas en las que no parece que la organización se haya gastado mucho es en la contratación del maestro de ceremonias de la gala inaugural. Y no puede decirse que haya sido una decisión desacertada por cuanto Pepe Colubi cumplió con creces el año anterior y de nuevo ha vuelto a salir más que airoso en esta ocasión. Tras la habitual introducción musical de la gala, a cargo de Arizona Baby y Los Coronas, que tocaron tres temas a modo de adelanto de su posterior concierto en la Sala Acapulco, el telón del Teatro de La Laboral se abrió para mostrar al locutor, guionista y escritor, madrileño de nacimiento y asturiano de adopción, en un escenario austero y minimalista como ya es costumbre en el FICX.

Colubi tiró de nuevo por la vena humorística. Urdangarín y sus negocios oscuros, Eduardo Punset y su "pan naturaaal", Pedro Piqueras y hasta la misma Duquesa de Alba fueron blanco de sus dardos en una introducción fluida que el público gijonés rió con entusiasmo. Después vino la presentación de los cineastas homenajeados (Bertrand Bonello, Marie Losier -ambos presentes en el Teatro de La Laboral- y del todavía ausente Michael Glawogger. También desfiló por el escenario el Jurado Internacional, compuesto por Mira Staleva, subdirectora del Festival Internacional de Cine de Sofía, el director y guionista madrileño Eduardo Chapero-Jackson, la guionista Lola Mayo, el director, escritor y periodista chileno Alberto Fuguet y el periodista Fernando Lara, quien fuera director durante muchos años de la Seminci de Valladolid y que ejerció de portavoz de sus compañeros.

Jeff Nichols es el director y guionista de Take shelter, la película encargada de abrir esta edición del certamen. El cineasta norteamericano presentó al público gijonés su película a través de un vídeo grabado especialmente para la ocasión y, tras el consabido desfile de autoridades que una vez cumplido su objetivo de aparecer en la foto abandonaron la sala para no volver, se inició la proyección. Y Take shelter me resultó un tanto decepcionante, seguramente debido a un exceso de expectativas. Ganadora del Gran Premio de la Semana de la Crítica en el último Festival de Cannes, las magníficas referencias de la cinta acaban siendo el principal problema a la hora de disfrutar plenamente de la misma.

Take shelter, en una primera lectura, es el retrato de una obsesión, del descenso a los infiernos de su protagonista masculino (un excelente Michael Shannon), arrastrado a una espiral autodestructiva por culpa de unas inquietantes alucinaciones que le hacen sospechar que es, como lo fue su madre a su misma edad, víctima de una esquizofrenia naciente. El efecto que su alterada conducta provoca en su familia, en sus amigos y compañeros de trabajo está narrado por Nichols de forma que resultaría la mar de efectiva en un thriller de género pero, al mismo tiempo, Take shelter deja claro que pretende ser algo más que eso, una especie de metáfora alegórica sobre la locura y la paranoia colectivas que, empero, termina por venirle algo grande. La película se extiende en metraje más allá de lo aconsejable y su solvente factura técnica, las buenas interpretaciones de todo su reparto y la atmósfera agobiante que tiñe buena parte de la cinta no consigue hacer de ella el gran título prometido, quedándose en una molesta e incómoda tierra de nadie. Ni siquiera su final abierto, con diferentes interpretaciones posibles, consigue rescatarla de este problema.

Take shelter. Trailer.

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49 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 0)

2011-11-18T10:00:00.223+01:00

Desde que el pasado mes de mayo se produjera un cambio político en la gestión municipal y autonómica gijonesa y asturiana, se desató la rumorología popular sobre las perspectivas de futuro de algunos de los principales eventos culturales de la ciudad. Primero la Semana Negra y después el Festival Internacional de Cine han sido objeto de algunas noticias y comentarios más o menos inquietantes sobre su continuidad. Si ya en el caso de la Semana Negra esta circunstancia puede resultar difícilmente entendible, dado su incuestionable éxito popular y donde únicamente el marcado posicionamiento ideológico de su creador, el astur-mexicano Paco Ignacio Taibo II, puede despertar el recelo de la nueva corporación, en el caso concreto del FICX resulta directamente injustificable. No es fácil encontrar un ejemplo de organización de un festival de cine que haya experimentado un crecimiento tan destacado como el logrado por el certamen gijonés en los últimos 16 años, que son los que lleva al frente del mismo su director José Luis Cienfuegos. Capaz de conjugar con acierto el rigor en su arriesgada programación con el éxito popular que demuestra la incontestable asistencia masiva de público a las salas, sólo el sectarismo más cerril puede estar en el origen de esa supuesta desconfianza de los nuevos regidores políticos hacia los responsables del Festival.

Presentación de la 49ª edición del Festival de Cine de Gijón [09/09/2001]

El pasado miércoles, Cienfuegos participó en un encuentro digital en la edición online del diario El Comercio. Esta fue la pregunta que realizamos y la respuesta del director del festival:

Viendo donde estaba el Festival de Gijón en 1994 y donde está hoy, ¿crees que es justo y/o intelgente y/o lógico que alguien, político o no, cuestione el FICX? Gracias. (William_Conway)

Yo no puedo ponerme en la cabeza de otros ni en qué tipo de estrategias están manejando, todo el equipo del festival estamos centrados, repito, en sacar adelante lo mejor posible esta edición y cumplir con las expectativas que son muy altas.

El FICX ya lleva un tiempo sufriendo los recortes presupuestarios. Incluso ha visto reducida en un día su programación debido a la pertinaz crisis económica. No es el propósito de este blog el abrir un debate a este respecto pero esperemos que el molesto run-run de los meses pasados, con indeseados y autoproclamados "rescatadores" incluidos, quede en una mera anécdota y que no sólo el año que viene podamos asistir al cincuentenario del Festival tal como lo conocemos sino que en el futuro el certamen cinematográfico gijonés siga siendo una fecha señalada en el calendario de cualquier aficionado al cine en España.

Una imagen de Take shelter, dirigida por Jeff Nichols

La cuadragésima novena edición del FICX se inicia esta noche con la proyección de la película estadounidense Take shelter, dirigida por Jeff Nichols y precedida por las numerosas alabanzas recibidas allí donde se ha estrenado, incluidos los Festivales de Sundance y Cannes. Protagonizada por Michael Shannon y la ubicua Jessica Chastain, cuenta la historia de un hombre cuya tranquila existencia en pueblo de Ohio se verá alterada por pesadillas recurrentes sobre una tormenta de proporciones apocalípticas y otras visiones inquietantes.

La Sección Oficial, compuesta por diecisiete títulos a concurso, ofrecerá los últimos trabajos de Mia Hansen-Løve, Todd Solondz, Miranda July o Bruno Dumont. El Festival mantiene sus habituales secciones Enfants Terribles, Rellumes, Esbilla, Llendes y complementa la programación de esta edición con el ciclo Géneros Mutantes y las retrospectivas dedicadas a Bertrand Bonello, Michael Glawogger y Marie Losier. La Noche del Corto Español, el Día D'Asturies y los conciertos y exposiciones completarán la oferta de esta semana de cine.

La ceremonia inaugural del FICX, que se celebrará por tercer año consecutivo en el Teatro de La Laboral, estará conducida de nuevo por Pepe Colubi y en ella se presentará, como es tradicional, a los miembros de los distintos jurados y ciclos del Festival. También se podrá disfrutar de la actuación de Arizona Baby y Los Coronas, unidos ahora en el proyecto Corizonas y que a medianoche repetirán ofreciendo un concierto en la Sala Acapulco.

49 FICXixón Spot. [Raíz New Media]

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Octubre 2011

2011-11-01T00:05:00.002+01:00

Carne de neón, de Paco Cabezas. 2010. 03/10/2011. ***
Blog, de Elena Trapé. 2011. 04/10/2011. *
No tengas miedo, de Montxo Armendáriz. 2011. 05/10/2011. **
Manolete, de Menno Meyjes. 2008. 11/10/2011. **
Balada triste de trompeta, de Álex de la Iglesia. 2010. 17/10/2011. ***
Planes para mañana, de Juana Macías. 2010. 19/10/2011. ***
Midnight in Paris, de Woody Allen. 2010. 25/10/2011. ***
Nunca me abandones (Never let me go), de Mark Romanek. 2010. 30/10/2011. ****

Septiembre 2011

2011-10-01T00:05:00.003+02:00

Breaking Bad. 2ª Temporada, de Vince Gilligan. 2009. 08/09/2011-19/09/2011. *****

Breaking Bad. 3ª Temporada, de Vince Gilligan. 2010. 22/09/2011-29/09/2011. *****

Elia Kazan (1909-2003)

2011-09-29T21:30:00.002+02:00

CICLO ELIA KAZAN (01.09.2011 > 02.10.2011). Cine Estudio. Círculo de Bellas Artes

Elias Kazanjoglou, más conocido como Elia Kazan (Kayseri 1909 - Nueva York, 2003) era hijo de un comerciante de alfombras griego que emigró con su familia a Berlín, y más adelante a Nueva York. Estudió Arte Dramático en Yale y montó su primera obra teatral, El segundo hombre, de Samuel N. Behrman, en 1931, fecha en la que se incorporó al Group Theatre con el que llevó a escena, entre otras muchas obras, La muerte de un viajante de Arthur Miller. Fue uno de los fundadores del mítico Actor's Studio, en 1947. Entre su brillante filmografía, por la que fue galardonada con doce premios de la Academia, destacan películas como Un tranvía llamado deseo (1951), por la que obtuvo su segundo Óscar, Al este del Edén (1955) o Esplendor en la hierba (1961).

	La barrera invisible (Gentleman's agreement), de Elia Kazan. 1947. 17/09/2011. ******* Philip, un joven escritor viudo, se traslada a Nueva York para realizar una serie de reportajes sobre el antisemitismo. Philip quiere experimentar en primera persona la problemática del colectivo judío norteamericano. Por ello, decide integrarse y convivir con sus miembros.
	Pánico en las calles (Panic in the streets), de Elia Kazan. 1950. 17/09/2011. ** En los barrios bajos de Nueva Orleans, Blackie, Fitch y Poldi matan a un inmigrante después de que este les gane una gran cantidad de dinero jugando al póquer. Al día siguiente, la policía descubre el cadáver y, tras realizarle la autopsia, confirman que el muerto padecía la peste negra. Para evitar que se extienda una epidemia, Clint y el capitán de policía, Tom Warren, deben encontrar y aislar a los asesinos.
	Un tranvía llamado deseo (A streetcar named Desire), de Elia Kazan. 1951. 17/09/2011. ******** Blanche Dubois, una sureña neurótica y arruinada, llega a Nueva Orleans a visitar a su hermana, que vive en la barriada pobre Desire, la última parada del tranvía. Alli conocerá a su cuñado Stanley Kowalski, un polaco rudo y violento, con quien mantiene una áspera relación desde el primer momento.
	La ley del silencio (On the waterfront), de Elia Kazan. 1954. 23/09/2011. ******** Una organización criminal domina los muelles de Nueva York e impone la ley del silencio sobre todo aquel que pretende hacerle frente. Tras colaborar involuntariamente en el asesinato de Joey Doyle, que pretendía denunciar a la organización, Terry Malloy, hermano de uno de los dirigentes, comienza a sentir remordimientos. Poco a poco, Edie, la hermana de Joel, y el padre Barry convencerán a Terry para que denuncia a la organización. Ganadora de 8 Oscar, incluyendo mejor película, director y actor principal.
	Al este del Edén (East of Eden), de Elia Kazan. 1955. 23/09/2011. ******** Un granjero californiano vive con sus dos hijos, Cal y Aron. Cal es un muchacho problemático, mientras que Aron es siempre correcto y adorado por su padre. Ambos compiten por el cariño de su progenitor. La situación se complica cuando Cal descubre que su madre está viva.
	El último magnate (The last tycoon), de Elia Kazan. 1976. 29/09/2011. ** Largometraje que narra los entresijos del Hollywood de los años treinta. Muestra la ambición y falta de escrúpulos de productores, escritores, directores y actores para alcanzar la gloria.

El Árbol De La Vida, de Terrence Malick

2011-09-21T20:15:00.002+02:00

Terrence Malick, ese señor tan pesado y rarito que dirigía una película cada veinte años, acaba de estrenar en los cines españoles El árbol de la vida, un filme protagonizado por Brad Pitt y Sean Penn. En el caso de Sean Penn es un decir, porque el oscarizado intérprete de Pena de muerte únicamente aparece en diez de los ciento cuarenta minutos que dura la cinta, pero la presencia de estrellas de tal relumbrón en un reparto por lo demás corto y ajustado obedece a una desconcertante estrategia comercial que parece querer arrastrar a las salas a un público masivo que poco o nada conectará con la imaginería visual, conceptual y narrativa de un cineasta tan particular como el firmante de Malas tierras y Días del cielo. Nada nuevo, por otro lado, en la filmografía de Malick, quien ya con La delgada línea roja, estrenada hace más de una década, pareció querer realizar la misma y extraña jugada, en aquel caso con un reparto coral que también incluía a Sean Penn dentro de una interminable galería de rostros conocidos que se limitaban a aparecer breve o insignificantemente ante la cámara.

Piececitos de bebé y ñoñería new age en El árbol de la vida

Los argumentos modestos y las pequeñas historias no van con Malick y su megalomanía y grandilocuencia habituales son llevadas a su máxima expresión en El árbol de la vida, donde una historia mínima (y parcialmente autobiográfica) es elevada varias categorías por encima de la que le correspondería para alcanzar una pretendida trascendencia que en el fondo no pasa de ser vacuidad satisfecha y narrativa efectista, sobreplagada de travellings infinitos de stedycam, musiquita omnipresente (excelente, por otra parte) y efectos visuales chungos de salvapantallas de Windows 2021, y todo ello al servicio de una supuesta emoción que yo no encontré por ninguna parte. Se ha resaltado que el estilo cinematográfico de Terrence Malick es poético y no narrativo, como si este carácter "poético" de su cine fuese una justificación suficiente para los innumerables desvaríos que contiene El árbol de la vida prácticamente desde su mismo inicio y que acaban configurando un totum revolutum en el que se juntan y se equiparan, entre otros dislates de difícil justificación, el origen y evolución del universo -un origen divino, claro- con el origen y evolución de las vidas humanas.

¿Qué coño estoy haciendo yo aquí? Terrence, ven y dímelo...

Sean Penn, quizá molesto por la ridícula presencia de su personaje en el montaje final de la película, declararía: "No encontré en la pantalla la misma emoción que tenía el guión. Una narrativa convencional y más clara hubiera ayudado al filme sin, en mi opinión, afectar a la belleza de la película o a su impacto. Francamente, aún estoy tratando de averiguar qué hago allí y qué se supone que añadía mi personaje en ese contexto. Es más, el mismo Terry nunca pudo explicármelo claramente". Pese a todo lo anterior, la película ha sido saludada con inusitado entusiasmo desde el mismo momento de su presentación en el Festival de Cine de Cannes, donde logró la Palma de Oro la pasada primavera, y su llegada ahora a las salas comerciales patrias parece estar contando con una más que positiva acogida no ya sólo en la taquilla sino también en la opinión de bastantes espectadores que, incluso, parecen mirar por encima del hombro a los disidentes. Que les aproveche a todos mucho.

El Árbol De La Vida. Trailer.

El árbol de la vida, de Terrence Malick.
21/09/2011. Kinépolis.

La Piel Que Habito, de Pedro Almodóvar

2011-09-09T22:45:00.015+02:00

Debo agradecerle a Pedro Almodóvar el que hace unos meses me descubriera el estupendo libro de Thierry Jonquet en el que se basa La piel que habito. Editado por Júcar hace más de dos décadas y recientemente reeditado por Ediciones B, Tarántula (Mygale, 1984) es una novela excesiva y desasosegante que propone un más díficil todavía en las clásicas historias de venganza. Su fuerza irresistible en papel al mismo tiempo anticipa lo duro de la empresa de adaptarla a la gran pantalla. Como Almodóvar tiene un ego que puede con eso y más, él mismo ha acometido la tarea en solitario y Tarántula se ha transformado en La piel que habito con notables cambios en el argumento. No es cuestión de defender un talibanismo radical en las adaptaciones literarias a la gran pantalla aunque siempre me ha parecido de género bobo pagar por los derechos de un libro para luego acabar haciendo algo totalmente diferente. Recuerdo el caso similar de Two much, magnífica y negrísima novela de Donald E. Westlake con la que Fernando Trueba hizo un esperpento atroz pretendidamente disfrazado de comedia romántica y, casualidad, también protagonizado por Antonio Banderas.

La piel que habito arranca de forma bastante fiel a su modelo literario original y durante unos cuantos minutos trata de jugar con la incertidumbre del espectador sobre la verdadera naturaleza de lo que está contando. Un cirujano plástico mantiene recluida bajo llave en un suntuoso caserón de las afueras a una joven de aspecto frágil e indefenso. El ama de llaves se encarga de hacerle llegar la comida y los libros con los que matar la espera entre visita y visita de su sofisticado carcelero. En este inicio de película toca soportar (o intentarlo) el odioso tonillo habitual de Marisa Paredes, una presencia tan constante como perniciosa en la filmografía de Almodóvar. Banderas, por su parte, pese a los penosos momentos en los que a su personaje le toca hablar ante el público reunido para escuchar su conferencia, resulta solo ligeramente más creíble y es Elena Anaya la única que parece poder sacar adelante su trabajo con una mínima solvencia interpretativa.

Elena Anaya y Antonio Banderas en La piel que habito

Según avanza la historia, el director de Hable con ella se ve en la necesidad de dotar a la misma de sus particularísimas y clásicas señas de identidad y cuando uno aún se está preguntando si La piel que habito va bien, mal o regular, hace su aparición un personaje disfrazado de tigre (sic) que hace zozobrar peligrosamente la nave. Si durante las 80 primeras páginas de Tarántula al lector se le mantenía sumido en la ignorancia acerca de lo que realmente estaba ocurriendo, Almodóvar no parece confiar en que el espectador de su película pueda aguantar tanto tiempo sin removerse en la butaca y decide adelantar los acontecimientos. Y lo hace sirviéndose de un pegote esperpéntico y de lo más idiota que no funciona ni como comedia ni como drama. Los discutibles intentos del manchego por incluir momentos cómicos en una historia que maldita necesidad tiene de ellos producen en unas ocasiones estupor (la aparición de su hermano Agustín haciendo un chiste) o directamente bochorno (me llamo Vera, Vera Cruz...). Un horrendo e innecesario episodio sobre el origen del personaje disfrazado de tigre, con el insufrible añadido adicional de la voz en off de Marisa Paredes, cierra con más pena que gloria la primera parte de la película.

Con un cartel de "Seis años antes" en tipo de letra XXL, para que ni el más tonto de los espectadores se pierda, se inicia la segunda parte del filme y en ella se explican algunos de los interrogantes pendientes, incluido uno de los principales golpes de efecto de libro y película y que no desvelaremos. Trazado con la misma brocha gruesa que todo lo que lo precede, es posible sin embargo encontrar aquí destellos de talento en la realización y en la creación de atmósfera, aunque son leves espejismos en un tono general que ya para entonces ha hecho aguas sin remisión y que se encamina al desastre mediante una conclusión para la que, una vez más, el director de Todo sobre mi madre se siente en la necesidad de aportar su inevitable toque personal y que altera completamente el significado del desenlace literario. Como ocurre con todas las modificaciones anteriores realizadas a la historia original, el resultado en este caso también es para peor, confirmando que el ego y la ambición de Almodóvar están muy por encima de su talento.

Antonio Banderas, Pedro Almodóvar y Elena Anaya en la presentación en Cannes

La piel que habito. Trailer.

La piel que habito, de Pedro Almodóvar.
09/09/2011. Kinépolis.

Érase Una Vez En América, de Sergio Leone

2011-09-08T18:45:00.000+02:00

Érase una vez en América es la única película que he visto de Sergio Leone (1929-1989). A veces pienso que debería poner remedio a esa laguna cinéfila pero, por unas razones u otras, la pereza me puede y acabo pensando que es inútil, que es imposible que me pueda encontrar en su filmografía algo mejor que este que fue su testamento cinematográfico y que vi por primera vez en televisión, casi por casualidad, en una noche de viernes del año 1988. [Mi memoria es buena pero a veces vienen bien ayudas con éstas].

Recuerdo de entonces que publicitaron bastante la emisión de la película durante los días previos, incluso con imágenes violentas de cierto impacto que hoy serían impensables en una cadena de televisión generalista. En realidad hoy sería impensable la propia emisión en una cadena de televisión generalista de una película de casi cuatro horas de duración. 4 horas seguidas de Gran hermano, de Supervivientes o de Belén Esteban tienen un pase, pero de una película... completamente inconcebible.

Jennifer Connelly como la joven Deborah en Érase una vez en América

En mi caso no hacía falta mucha insistencia: Robert de Niro, gángsters, los años de la Gran Depresión, la Ley Seca, Nueva York... Sergio Leone construyó su película sobre un libro de Harry Grey titulado "The Hoods", escrito en 1952, y por cuyos derechos el director italiano luchó denodadamente desde que en 1967 mostrara por primera vez su interés por adaptarla. "La novela es autobiográfica, está firmada por Harry Grey, pseudónimo de un pequeño hampón llamado Aaronson, apodado Noodles y que en realidad se llamaba Goldberg. Lo que me atrajo de la este individuo fue su absoluta insignificancia, atravesó su época como un fantasma, y si él no hubiera escrito su historia no existiría. Nada que ver con los gángsters todopoderosos que el cine americano había reflejado hasta la saciedad. El libro está escrito a lo largo de los quince años que estuvo encerrado en Sing-Sing, para suerte suya, porque la Organización estaba buscándole para hacerle pagar que delatara a sus compañeros. Cuando fue puesto en libertad ya todo el mundo se había olvidado de él. En la redacción debió ayudarle su mujer, que es maestra de escuela, porque revela una gran ingenuidad literaria. Pero lo que importa en sus páginas son los hechos, las anécdotas, un verismo estremecedor". (La revue de cinema, Sergio Leone, junio de 1984). "Noodles" es precisamente el personaje que interpreta brillantemente Robert de Niro, antes de que su tardía y desmedida afición a las muecas y al histrionismo acabara lastrando la segunda parte de su carrera.

La película, que juega con flash-backs de hasta tres épocas distintas, arranca de forma tibia. Muestra parte de la violencia explícita que luego contendrá la cinta pero lo hace con una secuencia escasamente lograda en composición y atmósfera. Y el caso es que a Érase una vez en América le cuesta su buena media hora empezar a tomar forma. Pero cuando lo consigue entonces se hace gigante. Con su largo e inabarcable metraje es difícil mantener siempre el mismo nivel de brillantez pero cuando uno pueda pensar que éste decae, Leone consigue entonces otro de los grandes momentos de su obra. Seguramente la parte centrada en la infancia de los protagonistas sea una de las mejores de la película y uno acaba volviendo siempre al ese "Noodles" encerrándose en el cuarto de baño compartido de su decrépito edificio o espiando a Deborah en el bar de Fat Moe; a Peggy y su precoz talento para los negocios; al hambriento Patsy y su pastel de nata y cereza menguante; o a ese mítico plano de Dominic corriendo delante del grupo después de que termine con éxito el primer golpe del joven clan judío, imagen que también aparece en el propio cartel del filme.

El bizco, Patsy, Max, Noodles y Dominic por las calles de Nueva York

La historia de la banda adulta, con sus éxitos, sus fracasos y sus amistades tracionadas, serpentea junto a la historia de (des)amor nunca consumada entre "Noodles" y Deborah y finaliza con una secuencia antológica que pone en cuestión la fiabilidad de la narración y que sugiere de forma velada la posibilidad de que parte de la historia sea el sueño alucinógeno de su atormentado protagonista mientras mitiga sus penas en el fumadero de opio.

Érase una vez en América se comercializó en DVD en España hace ocho años en una edición de lujo con 2 discos que, entre otras cosas, no respetaba el doblaje original del filme. Sólo hay algo peor que doblar una película y es doblarla dos veces con voces distintas. En estos casos, a los responsables habría que matarlos también dos veces.

Érase una vez en América en www.zonamoebius.com
Érase una vez en América en cineconcine.blogspot.com

Un Verano De Cine. Cines Verdi

2011-09-08T00:05:00.000+02:00

	El padrino (The godfather), de Francis Ford Coppola. 1972. 06/07/2011. ***** Don Vito Corleone (Marlon Brando) es el jefe de una de las "Cinco Familias" que ejercen el mando en la Cosa Nostra de Nueva York en los años cuarenta. El Padrino es "un hombre de honor", con un código moral propio: generoso con los amigos, a los que nunca niega un favor; implacable con los enemigos. Dentro de la actividad de las importaciones de aceites, ejerce su poder en todos los campos. Don Corleone tiene cuatro hijos, una chica Connie y tres varones: Santino, Michael y Fredie. Cuando otro jefe de gang, Sollozzo, intenta asesinar al Padrino, empieza una cruenta lucha de violentos episodios entre las distintas "familias".
	El padrino. Parte II (The godfather: Part II), de Francis Ford Coppola. 1974. 07/07/2011. ***** Continuación de la primera película del mismo título y basada también en los personajes de Mario Puzo, la segunda parte de "El Padrino" recoge dos épocas diferentes: una, la infancia y juventud de Vito Corleone (el personaje interpretado por Marlon Brando en la primera parte) y la otra la evolución de la mafia en los tiempos actuales, confundida con la política, y encarnada en la figura del sucesor, Michael Corleone (Al Pacino).
	Érase una vez en América (Once upon a time in America), de Sergio Leone. 1984. 11/07/2011. ***** Nueva York. Los barrios pobres en los movidos años 20. Cinco niños, todos hijos de emigrantes, se conocen formando una pandilla de barrio y encuentran en la complicidad y camaradería, un propósito: salir de aquel infierno y realizar sus sueños en la tierra dorada. Noodles y Max, que se convierten en grandes amigos, empiezan con pequeños robos y consiguen convertirse, en los tiempos de la ley seca en unos de los más importantes reyes de la mafia. "Erase una vez en América" es la última película del director Sergio Leone y la culminación en obra maestra de su corta carrera cinematográfica.
	Repulsión (Repulsion), de Roman Polanski. 1965. 04/08/2011. ******* Carol es bella y sus momentos de vaguedad son interpretados por sueños de pesadillas. Nadie adivinaría que su pura y etérea figura es una máscara que envuelve una mente en trágica decadencia. Carol se subleva y siente repulsión ante la presencia de los hombres, hay dos que conoce, que se han introducido en su vida de forma fortuita. Uno de ellos es Colin, un acompañante y el otro es Michael que está teniendo amoríos con su hermana Helen y hace frecuentes visitas a su casa pasando la noche en ella. Michael es la principal fuente de los secretos y terrores que abruman a Carol y cuando Helen decide tomarse unas vacaciones y marcharse con su novio, Carol tiene un cambio radical en su mente.
	Ser o no ser (To be or not to be), de Ernst Lubitsch. 1942. 10/08/2011. ***** Polonia acaba de ser ocupada por la Alemania Nazi y el Profesor Stiletski (Stanley Ridges) está a punto de dar al Coronel Ehrhardt (Sig Ruman) los nombres de los líderes de la Resistencia polaca. Para evitarlo, la Resistencia se pone en manos de una compañía de teatro, compuesta por dos grandes actores: Josef Tura (Jack Benny) y María Tura (Carole Lombard), que junto a sus compañeros, montarán un plan para evitar la traición del profesor.
	Fanny y Alexander (Fanny och Alexander), de Ingmar Bergman. 1982. 24/08/2011. ******** La acción transcurre a principios de siglo en una ciudad de provincias en Suecia. Helene Ekdahl, una viuda perteneciente a una familia acomodada, reúne en la Navidad a sus tres hijos: Gustav Adolf, encargado de un restaurante y marido de Alma; Oscar, director del teatro familiar y mal actor, padre de Fanny y Alexander, y Carl, bebedor empedernido y arruinado, que está casado con una mujer a la que odia. Durante una de las representaciones, Oscar sufre una apoplejía y muere. Alexander se siente muy afectado por la muerte de su padre y comienza a inventar historias para escapar de la realidad. Al poco tiempo, Emile contrae matrimonio con el Obispo y se trasladan todos a su palacio. Allí la vida de los niños toma un giro distinto y se convierte en un auténtico infierno, causado por la tiranía y la moral rígida de su padrastro.
	La semilla del diablo (Rosemary's baby), de Roman Polanski. 1982. 06/09/2011. ***** Los Woodhouse son un matrimonio neoyorkino que se muda a un edificio situado frente a Central Park. Según un amigo de la pareja, sobre la casa pesa una maldición. Una vez instalados, se hacen amigos de Minnie y Roman Castevet, unos vecinos que los colman de atenciones. Ante la perspectiva de un buen futuro, los Woodhouse deciden tener un hijo, y Rosemary se queda embarazada, aunque lo único que recuerda es haber hecho el amor con una extraña criatura que le ha dejado el cuerpo lleno de marcas. Con el paso del tiempo, Rosemary comienza a sospechar que algo extraño ocurre con su embarazo y deja de confiar en todas las personas que la rodean.

Agosto 2011

2011-09-01T00:05:00.002+02:00

Cisne negro (Black swan), de Darren Aronofsky. 2010. 01/08/2011. ***
Valor de ley (True grit), de Joel Coen y Ethan Coen. 2010. 02/08/2011. **
Más allá de la vida (Hereafter), de Clint Eastwood. 2010. 07/08/2011. **
Código fuente (Source code), de Duncan Jones. 2011. 07/08/2011. ***

Torrente 4. Lethal Crisis, de Santiago Segura. 2011. 08/08/2011. *
Secuestrados, de Miguel Ángel Vivas. 2010. 09/08/2011. ***
Un franco, 14 pesetas, de Carlos Iglesias. 2008. 11/08/2011. ***
Ispansi! (Españoles), de Carlos Iglesias. 2011. 15/08/2011. ***
Middle men, de George Gallo. 2009. 16/08/2011. ***
Megan is missing, de Michael Goi. 2011. 18/08/2011. ***
Super 8, de J.J. Abrams. 2011. 19/08/2011. *
Bad teacher, de Jake Kasdan. 2011. 20/08/2011. **

Breaking Bad. 1ª Temporada, de Vince Gilligan. 2008. 21/08/2011-23/08/2011. ****

Mi primo Vinny (My cousin Vinny), de Jonathan Lynn. 1992. 26/08/2011. **
Sin motivo aparente (No good deed), de Bob Rafelson. 2002. 26/08/2011. ***
Con el agua al cuello (The drowning pool), de Stuart Rosenberg. 1975. 28/08/2011. *
La vida de nadie, de Eduard Cortés. 2002. 26/08/2011. ***

Julio 2011

2011-08-01T00:45:00.000+02:00

Balas sobre Broadway (Bullets over Broadway), de Woody Allen. 1995. 02/07/2011. ***
Poderosa Afrodita (Mighty Aphrodite), de Woody Allen. 1996. 04/07/2011. ***
Todos dicen i love you (Everyone says i love you),
de Woody Allen. 1997. 12/07/2011. ****
Desmontando a Harry (Deconstructing Harry), de Woody Allen. 1998. 17/07/2011. ****
El diario de Ana Frank (The diary of Anne Frank),
de George Stevens. 1959. 23/07/2011. *

Dexter. 5ª Temporada. 2010. 01/07/2011-31/07/2011. ****

Win Win (Ganamos Todos), de Tom McCarthy

2011-07-16T20:30:00.002+02:00

Tom McCarthy era un actor secundario visto en numerosas películas de Hollywood, del más comercial pero también del más independiente, hasta que hace unos cuantos años debutara como director con una celebrada película que, entre otros reconocimientos, obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de San Sebastián del año 2003. Vías cruzadas, curiosa traducción del original The station agent, era un título simpático, vocacionalmente menor (no pun intended) en sus pretensiones y que contaba con la presencia, entre otros intérpretes, de las espléndidas Patricia Clarkson y Michelle Williams.

McCarthy se mostraría, en mi opinión, todavía más inspirado con su segundo largometraje, la estupenda The visitor, una de las mejores cintas de la pasada década y que se beneficiaba de la excepcional interpretación del veterano Richard Jenkins. The visitor consiguió una más que merecida candidatura al Oscar para su actor protagonista y colocó a Tom McCarthy en la primera línea de los directores norteamericanos del presente. Win Win (Ganamos todos), su último trabajo, llegaba pues precedido de altas expectativas que seguramente no se habrán visto cumplidas por el decepcionante resultado final.

Paul Giamatti y el joven Alex Shaffer en Win Win (Ganamos Todos)

Paul Giamatti, figura referencial del cine indie llegado de Estados Unidos en los últimos años, interpreta aquí a Mike Flaherty, un abogado de medio pelo que sufre los rigores de la pertinaz crisis económica y que en un intento desesperado de superar sus apuros financieros se embarca en una aventura de apariencia filantrópica pero que en realidad sólo esconde su deseo de obtener dinero fácil a costa de los problemas de salud de un anciano solitario al que recluye contra su voluntad en una residencia y del que se convierte en representante legal. La inesperada llegada a la ciudad del inadaptado y conflictivo nieto del hombre mayor añade un problema adicional a Mike, pero las habilidades competitivas del chaval (Flaherty, además de abogado, también es el entrenador del equipo de lucha del instituto local) ofrecerán una posibilidad para que todos ganen, tal como reza el cartel en castellano de la película.

El principal problema de Win Win, y que enfadará tanto a los seguidores de Tom McCarthy como a quienes se acerquen aquí por primera vez a su trabajo, radica en el poco disimulado tono moralista de la película. No es que este factor sea del todo nuevo en el cine del autor pero en esta su última realización se sitúa en un evidente primer plano que puede resultar molesto, incluso aún más tras un final con prescindible moraleja incluida. A su favor la película cuenta con buenas interpretaciones de todo su reparto estelar, que además de Giamatti también incluye a Jeffrey Tambor, el patriarca de la serie televisiva Arrested development, o al veterano Burt Young, en el papel del anciano cascarrabias pero de buen corazón.

Win Win (Ganamos Todos). Trailer.

Win Win (Ganamos todos), de Tom McCarthy.
16/07/2011. Renoir Plaza España.

Junio 2011

2011-07-01T01:05:00.008+02:00

Broadway Danny Rose, de Woody Allen. 1984. 02/06/2011. ****
La rosa púrpura de El Cairo, de Woody Allen. 1985. 06/06/2011. ***
Hannah y sus hermanas (Hannah and her sisters),
de Woody Allen. 1986. 07/06/2011. ****
Días de radio (Radio days), de Woody Allen. 1987. 08/06/2011. ***
Septiembre (September), de Woody Allen. 1987. 11/06/2011. ***
Otra mujer (Another woman), de Woody Allen. 1988. 12/06/2011. **
Historias De Nueva York (New York Stories),
de Martin Scorsese, Francis Ford Coppola y Woody Allen. 1989. 13/06/2011. ***
Delitos y faltas (Crimes and misdemeanors), de Woody Allen. 1990. 15/06/2011. ***

Alice, de Woody Allen. 1991. 19/06/2011. **
Sombras y niebla (Shadows and fog), de Woody Allen. 1992. 20/06/2011. ***
Maridos y mujeres (Husbands and wives), de Woody Allen. 1993. 28/06/2011. ****
Misterioso asesinato en Manhattan (Manhattan murder mystery),
de Woody Allen. 1994. 30/06/2011. ****

Senna, de Asif Kapadia

2011-06-01T22:00:00.007+02:00

Senna, el documental biográfico (y casi hagiográfico) del piloto brasileño de Fórmula 1 Ayrton Senna da Silva que ha dirigido el británico Asif Kapadia, ha visto limitado su estreno en salas comerciales españolas a Madrid y Barcelona. Es un lástima que su distribución no haya sido mejor porque, más allá de sus méritos cinematográficos, es una película que permite disfrutar de una gloriosa época del automovilismo que, aunque todavía parece cercana en el tiempo, su rastro ha sido casi barrido por la hipertecnológica Fórmula 1 de la actualidad.

El documental arranca con la primera llegada de Senna al continente europeo para competir en carreras de karts. Posteriormente asistimos con relativa celeridad a su llegada a la F1 con el modesto equipo Toleman Hart, a su revelación en el Gran Premio de Mónaco de 1984, disputado bajo una intensa lluvia y que concluyó anticipadamente y de forma polémica, a su etapa en Lotus y, por último, a su llegada a McLaren, equipo con el que lograría sus tres títulos mundiales. Es a esa fase de su carrera deportiva a la que Kapadia dedica la mayor parte de su atención, centrándose fundamentalmente en la rivalidad mantenida con el piloto francés Alain Prost y es en ella donde el documental resulta un tanto tendencioso y manipulador, alterando sensiblemente el retrato de los protagonistas y tomando parte.

Kapadia saca partido del final trágico del piloto y construye su filme con buena parte de los elementos habituales de cualquier historia de ficción. Incluso hasta los malos se ganan aquí su redención, como el momento en que se muestra a Alain Prost portando el féretro de Senna durante el funeral celebrado en São Paulo o cuando se indica que el francés actualmente es miembro consejo asesor del Instituto Ayrton Senna, fundado en 1995.

Senna (Senna), de Asif Kapadia.
01/06/2011. Cines Verdi.

Mayo 2011

2011-06-01T00:05:00.000+02:00

Woody Allen. Allen Stewart Konisberg, que es el verdadero nombre de Woody Allen, nació en Nueva York el 1 de diciembre de 1935. Fue un pésimo estudiante, y a los quince años ya vendía unas doscientas ideas a una agencia de publicidad. Trabajó en televisión, escribió en revistas prestigiosas y se dedicó al teatro. Antes de debutar como director en 1969, fue actor y guionista en algunas películas; la más conocida fue Sueños de seductor, de Herbert Ross. En 1977 fue galardonado con el Oscar a la mejor película y al mejor director por Annie Hall, pero no fue a la ceremonia porque prefirió tocar el clarinete en su club habitual de Nueva York.

Toma el dinero y corre (Take the money and run), de Woody Allen. 1969. 09/05/2011. **
Bananas, de Woody Allen. 1969. 11/05/2011. **
Sueños de seductor (Play it again, Sam), de Herbert Ross. 1972. 16/05/2011. ***
Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo, pero temía preguntar
(Every thing you always wanted to know about sex, but were afraid to ask),
de Woody Allen. 1972. 19/05/2011. **

El dormilón (Sleeper), de Woody Allen. 1973. 20/05/2011. ***
La última noche de Boris Grushenko (Love and death),
de Woody Allen. 1975. 24/05/2011. ***
Annie Hall, de Woody Allen. 1977. 25/05/2011. ****
Interiores (Interiors), de Woody Allen. 1978. 26/05/2011. ***
Manhattan, de Woody Allen. 1979. 27/05/2011. ****
Recuerdos (Stardust memories), de Woody Allen. 1980. 28/05/2011. **
La comedia sexual de una noche de verano (A midsummer night's sex comedy),
de Woody Allen. 1982. 29/05/2011. ****
Zelig, de Woody Allen. 1983. 31/05/2011. ***

Abril 2011

2011-05-01T00:05:00.001+02:00

Bob Rafelson. Nació en Nueva York (Estados Unidos) al 21 de febrero de 1935. Antes de realizar su primera película en 1968, Head, coproducida y escrita por Jack Nicholson, desarrolló diferentes facetas dentro de la industria y fue el creador, junto a Bert Schneider, de la B.B.S., movimiento independiente que permitió la llegada a la dirección de hombres como Peter Fonda, Dennis Hopper o Jack Nicholson, apoyada por la multinacional Columbia. En los últimos años, Rafelson se apartó definitivamente del proyecto y ha realizado cine puramente comercial.

Poodle Springs, de Bob Rafelson. 1998. 02/04/2011. *
Las montañas de la luna (Mountains of the moon), de Bob Rafelson. 1990. 03/04/2011. **
El caso de la viuda negra (Black widow), de Bob Rafelson. 1987. 06/04/2011. ***
El cartero siempre llama dos veces (The postman always rings twice),
de Bob Rafelson. 1982. 10/04/2011. ****

Vértigo (Vertige), de Abel Ferry. 2009. 10/04/2011. **
La trampa del mal (Devil), de John Erick Dowdle. 2010. 17/04/2011. **
Biutiful, de Alejandro González Iñárritu. 2010. 22/04/2011. *
Scott Pilgrim contra el mundo (Scott Pilgrim vs. the world),
de Edgar Wright. 2010. 23/04/2011. **
Inside job, de Charles Ferguson. 2010. 24/04/2011. ****

En Los Bosques De La Noche. Antología Del Cine De Terror

2011-04-19T22:00:00.001+02:00

CICLO EN LOS BOSQUES DE LA NOCHE: ANTOLOGÍA DEL CINE DE TERROR 1931-2008 (05.04.2011 > 05.05.2011).
Cine Estudio. Círculo de Bellas Artes

Un verso del poeta inglés William Blake da título a esta retrospectiva que repasa todos los subgéneros y vías abiertas por el cine de terror en su siglo de existencia. Partiendo de los clásicos ya canónicos de la Universal, En los bosques de la noche: antología del cine de terror 1931-2008 recorre las aportaciones de la ciencia-ficción de los años 50, el terror oriental, la parodia, la renovación del cine europeo de las décadas de los 60 y 70, el horror metafísico / psicológico y las últimas aportaciones al género en 16 títulos claves para la evolución del mismo. [De la presentación del ciclo]

No profanar el sueño de los muertos
(Non si deve profanare il sonno dei morti),
de Jorge Grau. 1974. 19/04/2011. ***

En una abadía de Manchester el gobierno emplea un experimento para combatir la contaminación con una máquina que emite ultrasonidos. El resultado es inesperado para todos y hace que los insectos se vuelvan locos y se coman entre ellos, y que los muertos revivan violentos para vengarse de los que han profanado su profundo sueño. El gobierno y la policía no son capaces de encontrar a los partícipes de estos sanguinarios asesinatos.

Marzo 2011

2011-04-01T00:30:00.001+02:00

Pan negro (Pa negre), de Agustí Villaronga. 2010. 09/03/2011. ***
Enterrado (Buried), de Rodrigo Cortés. 2010. 13/03/2011. **
Retornos, de Luis Avilés. 2010. 13/03/2011. ***
El chocolate del loro, de Ernesto Martín. 2004. 13/03/2011. **
Desaparecida (The vanishing), de George Sluizer. 1988. 14/03/2011. *
De ratones y hombres (Of mice and men), de Gary Sinise. 1992. 15/03/2011. **
10 razones para odiarte (10 things i hate about you), de Gil Junger. 1999. 17/03/2011. **
Espera al último baile (Save the last dance), de Thomas Carter. 2001. 18/03/2011. **

El Síndrome de China (The China Syndrome), de James Bridges. 1979. 19/03/2011. ***
Slovenka, de Damjana Kozoleta. 2009. 21/03/2011. ***
To verdener, de Niels Arden Oplev. 2008. 23/03/2011. ***
Rumores y mentiras (Easy A), de Will Gluck. 2010. 26/03/2011. ***

Matrimonio con hijos (Married with children). 1ª Temporada,
de Ron Leavitt y Michael G. Moye. 1987. 22/03/2011-31/03/2011. ***

Nueva Narrativa Americana

2011-03-02T23:30:00.000+01:00

CICLO NUEVA NARRATIVA AMERICANA (22.02.2011 > 06.03.2011).
Cine Estudio. Círculo de Bellas Artes

En el tránsito entre las décadas de los ochenta y los noventa un nuevo grupo de realizadores intentan abrir en Hollywood nuevos caminos para, sin dejar de trabajar dentro de la maquinaria de los estudios, abrir una nueva vía para la narrativa cinematográfica norteamericana. El ciclo contiene películas de los pioneros de esta línea de trabajo (David Lynch, Quentin Tarantino, Abel Ferrara), así como de sus principales sucesores (Todd Field, Todd Solonz, Spike Jonze, Terry Gilliam). [De la presentación del ciclo]

En la habitación (In the bedroom),
de Todd Field. 2001. 23/02/2011. ****

Matt Fowler y Ruth Fowler habitan en Maine y tienen un único hijo, Frank. Durante las vacaciones de verano, Frank se dedica a pescar langostas a tiempo parcial para lograrse unos ingresos mientras estudia, a la vez que mantiene una secreta relación con una madre soltera de la localidad. A medida que la etapa estival llega a su fin, se gesta la tragedia.

El ladrón de orquídeas (Adaptation),
de Spike Jonze. 2002. 02/03/2011. ***

A pesar de haber recibido una nominación a los Oscar con su primer guión, Charlie Kaufman vive sumido en una inseguridad continua, tanto en su vida laboral como en lo personal. Charle recibe entonces una oferta laboral que le deja perplejo: adaptar el libro El ladrón de orquídeas, una historia acerca del injertador de orquídeas John Laroche que esconde en realidad una idea mucho más profunda sobre el deseo que siente todo ser humano de poder experimentar la pasión.

Febrero 2011

2011-03-01T00:05:00.000+01:00

La red social (The social network), de David Fincher. 2010. 27/02/2011. **
The fighter, de David O. Russell. 2010. 27/02/2011. ***

John Ford (1894–1973)

2011-02-18T23:30:00.002+01:00

CICLO JOHN FORD (01.02.2011 > 20.02.2011). Cine Estudio. Círculo de Bellas Artes

Cuando Jean-Luc Godard indagó en una entrevista a John Ford en qué fue lo que le llevó a Hollywood, el autor responsable de la reinvención del western respondió con tan sólo dos sílabas: "Un tren". John Martin Feeney –verdadero nombre de Ford-, se trasladó en 1913 a Los Ángeles para trabajar junto a su hermano Francis Ford, actor, guionista y cineasta en Universal.

Ford fue el decimotercer hijo de una familia de inmigrantes irlandeses y, aunque inicialmente enfocó su carrera profesional al mundo de la publicidad, localizó pronto su verdadera vocación. Al frente de más de medio centenar de películas, entre mudas y sonoras, obtuvo en vida cuatro Premios Oscar. A pesar de que se le recuerda por su impronta en el género western, su filmografía abarca el cine de aventuras, el drama, la comedia dramática o el biopic.

El Cine Estudio dedica su primer ciclo de febrero a los tres mejores directores de la historia del cine, según Orson Welles: "John Ford, John Ford y John Ford". A lo largo del mes, se proyectarán diez títulos de su etapa madura, entre otros, los cuatro que le hicieron recibir una estatuilla de la Academia: El delator, Las uvas de la ira, ¡Qué verde era mi valle! y El hombre tranquilo. [De la presentación del ciclo]

El delator (The informer), de John Ford. 1935. 01/02/2011. **
Gypo Nolan, un ex miembro del IRA, denuncia a un antiguo amigo buscado por la policía inglesa para conseguir una suculenta recompensa que le permita conquistar a Katie, la bella mujer de la que está profundamente enamorado.

¡Qué verde era mi valle! (How green was my valley), de John Ford. 1941.
03/02/2011. ****
Huw recuerda sus tiempos de juventud en una localidad minera galesa. John Ford describe de una manera minuciosa la vida minera en el país de Gales. Su objetivo son las emociones de una familia en descomposición a la vez que la dura existencia de los mineros.

Las uvas de la ira (The grapes of wrath), de John Ford. 1940. 08/02/2011. ****
En Oklahoma, una familia de labradores es expropiada por una gran empresa. Se ven obligados a emigrar a California en busca de trabajo en plena Gran Depresión. Lo que encuentran es más de lo mismo: explotación y maltrato por parte de terratenientes, matones y policías corruptos. Película épica, por excelencia, de la clase trabajadora estadounidense. Mirada directa del cine de Hollywood a la injusticia social: una rareza.

Pasión de los fuertes (My darling Clementine), de John Ford. 1946. 12/02/2011. ***
Wyatt Earp, antiguo sheriff de Dodge City, se dedica junto a sus hermanos al negocio de la ganadería en Tombstone. Allí, le ofrecen el puesto de comisario, pero éste lo rechaza. Hasta que uno de sus hermanos es asesinado. Este hecho lo impulsa a aceptar la vacante y a nombrar ayudantes al resto de sus hermanos. Wyatt no tarda en hacer amistad con Doc Holliday, un jugador y pistolero que les ayudará en su lucha contra los Clanton.

La taberna del irlandés (Donovan's Reef), de John Ford. 1963. 15/02/2011. *
Dos ex miembros del ejército viven plácidamente en una pequeña isla de Polinesia. Allí, ven felizmente la vida pasar y gastan gran parte de su tiempo en la taberna, donde escapan de la monotonía tropical. Un día aterriza en ese paraíso una estirada mujer procedente de Boston en busca de su padre.

El hombre que mató a Liberty Valance (The man who shot Liberty Valance),
de John Ford. 1962. 16/02/2011. *****
Ransom Stoddard es un veterano senador que regresa a Shinbone, la ciudad en que se inició en política, para asistir a los funerales del desconocido Tom Doniphon. Allí, Stoddard relata a un periodista cómo, siendo un joven abogado, viajó al entonces salvaje oeste. Allí, la única ley era la del revólver y forajidos como Liberty Valance atemorizan a la sociedad.

El último hurra (The last hurrah), de John Ford. 1958. 18/02/2011. ***
Frank Skeffington es un veterano alcalde de Nueva Inglaterra que se presenta a la reelección. A pesar de que la gente de su entorno le recomienda que modernice los métodos en su campaña, él está convencido de que la manera tradicional es la más eficiente. El problema es que su rival, según indican los sondeos, está calando en la población.

Enero 2011

2011-02-01T00:05:00.000+01:00

Resacón en Las Vegas (The hangover), de Todd Phillips. 2009. 02/01/2011. ***
Mi segunda vez (The rebound), de Bart Freundlich. 2009. 03/01/2011. ***
Cyrus, de Jay Duplass y Mark Duplass. 2010. 04/01/2011. ****
Encuentros en Nueva York (Please give), de Nicole Holofcener. 2010. 07/01/2011. ****
Origen (Inception), de Christopher Nolan. 2010. 09/01/2011. **
Conocerás al hombre de tus sueños (You will meet a tall dark stranger),
de Woody Allen. 2010. 11/01/2011. ***
Destino Woodstock (Taking Woodstock), de Ang Lee. 2009. 14/01/2011. ***
Yella, de Christian Petzold. 2007. 17/01/2011. ***

The walking dead. 1ª Temporada, de Frank Darabont. 2010. 09/01/2011-19/01/2011. ***

La última sesión (The last picture show), de Peter Bogdanovich. 1971. 21/01/2011. *****
Texasville, de Peter Bogdanovich. 1991. 22/01/2011. **

Salas 2010

2011-01-01T00:10:00.001+01:00

	Un tipo serio (A serious man), de Joel y Ethan Coen. 25/01/2010. Renoir Plaza España.
	La cinta blanca (Das weisse Band), de Michael Haneke. 01/02/2010. Golem.
	La carretera (The road), de John Hillcoat. 06/02/2010. Renoir Princesa.
	Shutter Island, de Martin Scorsese. 22/02/2010. Lido.

Diciembre 2010

2011-01-01T00:05:00.001+01:00

Peter Bogdanovich. Nació en Nueva York en 1939. Desde muy joven fue un auténtico cinéfilo que batió auténticos récords en la visión de películas. Su pasión por el cine americano clasico de los años treinta, cuarenta y cincuenta está presente también en su filmografía. De hecho, The last picture show es una reflexión sobre la muerte del cine. Ha dedicado libros a sus admirados John Ford y Fritz Lang. También realizó una película sobre el primero en 1971 que se llamó Directed by John Ford. El fracaso económico -y, en ocasiones- también crítico- de sus últimas películas ha roto la prometedora carrera de un heredero del viejo Hollywood.

El héroe anda suelto (Targets), de Peter Bogdanovich. 1968. 02/12/2010. **
¿Qué me pasa, doctor? (What's up, doc?), de Peter Bogdanovich. 1972. 05/12/2010. ****
Luna de papel (Paper moon), de Peter Bogdanovich. 1973. 06/12/2010. *****
Una señorita rebelde (Daisy Miller), de Peter Bogdanovich. 1974. 06/12/2010. ***

Todos rieron (They all laughed), de Peter Bogdanovich. 1981. 06/12/2010. *****
Máscara (Mask), de Peter Bogdanovich. 1985. 07/12/2010. ****
¡Qué ruina de función! (Noises Off), de Peter Bogdanovich. 1992. 08/12/2010. ***
Esa cosa llamada amor (The thing called love), de Peter Bogdanovich. 1993.
12/12/2010. ***
El maullido del gato (The cat's meow), de Peter Bogdanovich. 2001. 12/12/2010. ***
Dirigido por John Ford (TCM Redux) (Directed by John Ford), de Peter Bogdanovich. 1971-2006. 19/12/2010. ***
Así empezó Hollywood (Nickelodeon), de Peter Bogdanovich. 1976. 28/12/2010. ***

Noviembre 2010

2010-12-01T01:00:00.001+01:00

Winter's bone, de Debra Granik. 2010. 01/11/2010. ***
Bajo la piel (The human contract), de Jada Pinkett Smith. 2008. 01/11/2010. **

48 Festival Internacional de Cine de Gijón (Clausura)

2010-11-28T14:00:00.000+01:00

No controles, de Borja Cobeaga. Sección Oficial. Clausura.

Compareció de nuevo Pepe Colubi sobre las tablas del Teatro de La Laboral para presentar la gala de clausura de la 48ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón y lo hizo acompañado esta vez de la gijonesa Paula Prendes, reportera revelación del programa televisivo Sé lo que hicisteis... que emite laSexta. Después de lo visto la pasada semana en la sesión de inauguración, se puede decir que Paula restó más que sumó y el torpe guion que hubieron de representar entre ambos tampoco les ayudó demasiado a ninguno en la tarea. Afortunadamente, la torpe sucesión de chistes sin gracia duró poco tiempo y enseguida se dio paso a la, por otra parte, no mucho más amena sucesión de premios y premiados.

Paula Prendes y Pepe Colubi, presentadores de la gala de clausura

La película rumana Tuesday, after Christmas, de Radu Muntean, resultó la gran triunfadora del palmarés final del certamen y hasta en tres ocasiones subió al escenario a recoger trofeos Mirela Oprisor, una de las actrices protagonistas del filme y presente el sábado en Gijón. Además del de Mejor Película y Mejor Actor (para Mimi Branescu), ella misma recibió muy merecidamente el de Mejor Actriz (compartido con su también compañera de reparto Maria Popistasu) y expresó su agradecimiento al festival con un más que digno castellano. Tampoco habría sido injusto si este galardón hubiese recaído en Mónica del Carmen por su trabajo en Año bisiesto o en la Michelle Williams de Blue Valentine, igualmente espléndidas.

La rumana Mirela Oprisor recibió, ex aequo, el Premio de Mejor Actriz

Menos méritos para sus respectivos reconocimientos hicieron en cambio Kelly Reichardt (Mejor Directora y Premio FIPRESCI, un botín excesivo para su estimable aunque irregular Meek's Cutoff) o filmes tan prescindibles como Aurora y Tilva Rosh. El Jurado Internacional se olvidó completamente, como era de prever, de la cinta australiana Animal kingdom y de la extraordinaria Blue Valentine, justamente recompensada esta última por un Jurado Joven que de nuevo demostró más criterio que el oficial. Sobre esto, conviene recordar las palabras de Pedro Zaratiegui, director general de la distribuidora Golem, cuando en 2008 recriminó públicamente durante la ceremonia de clausura las tradicionalmente estrambóticas decisiones de los jurados gijoneses que, sin ir más lejos, aquel año eligieron de forma incomprensible a Liverpool por delante, por ejemplo, de la enorme Vals con Bashir.

Kelly Reichardt, Mejor Directora por Meek's Cutoff

Decisiones pintorescas del jurado al margen, la entrega de premios transcurrió con rapidez y sin discursos demasiado largos, excepción hecha de una de las codirectoras de Módulo 10 y de Jim-Box cuando ambos subieron a recoger sus respectivos galardones del Día D'Asturies. La primera dedicó el éxito logrado por su corto a las reclusas de la carcel de Villabona que colaboraron en su realización y el segundo anunció el inminente rodaje su próximo proyecto. Las autoridades regionales hicieron acto de presencia en La Laboral para repartir los últimos trofeos y el acto protocolario se cerró con la tradicional foto de familia en la que, de nuevo, ocuparon un lugar preferente principalmente aquellos que menos méritos aportaban para ello.

Foto de familia final con los premiados y autoridades

La película seleccionada por la organización para cerrar esta edición del Festival fue No controles, el segundo largometraje de Borja Cobeaga tras la muy divertida y exitosa Pagafantas. Para presentar el filme acompañó al realizador vasco sobre el escenario gijonés una nutrida representación de su equipo artístico, encabezada por el locuaz coprotagonista de la cinta, Julian López, que animó al público a cantarle un tímido Cumpleaños Feliz a su compañero de reparto, Unax Ugalde. Miguel Ángel Muñoz, Alexandra Jiménez o Mariam Hernández también estuvieron presentes para el apoyar el estreno nacional de la película.

El equipo artístico de No controles casi al completo en el Teatro de La Laboral

El realizador vasco repite en No controles similares parámetros a los vistos en Pagafantas y narra los perseverantes intentos de recuperación de la chica (Alexandra Jiménez) por parte del chico abandonado (Unax Ugalde) durante una Nochevieja que todos se ven forzados a pasar en un hotel tras la cancelación por la nieve de sus respectivos vuelos. Para esta tarea, el protagonista contará con la ayuda de un improbable grupo integrado por un recalcitrante amigo de la infancia (Julián López, el inefable Juancarlitros), un divorciado recién regresado del Caribe (Secun de la Rosa) o un empleado ecuatoriano del hotel. Definida por su director como "una Jungla de cristal del amor", No controles ofrece abundantes momentos hilarantes en un conjunto algo más flojo que su predecesora pero igualmente apreciable. El estreno comercial de la cinta estaba previsto para las próximas navidades pero incomprensiblemente sus distribuidores han decidido retrasarlo hasta el mes de febrero de 2011, donde seguro la competencia con los filmes candidatos al Oscar será mucho más dura.

No Controles. Trailer.

48 Festival Internacional de Cine de Gijón (Palmarés)

2010-11-27T14:00:00.008+01:00

Palmarés de la 48 Edición del Festival Internacional de Cine de Gijón

El Jurado Internacional de la 48ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, integrado por: Ana Torrent, Rui Pereira, Pablo Stoll y Juan Cavestany ha concedido los siguientes premios a las películas participantes en la Sección Oficial:

PREMIO PRINCIPADO DE ASTURIAS AL MEJOR LARGOMETRAJE es para:

Marţi, după Crăciun (Tuesday, After Christmas) de Radu Muntean
(Rumanía, 2010)

PREMIO AL MEJOR DIRECTOR:

Kelly Reichardt por Meek's Cutoff
(Estados Unidos, 2010)

PREMIO AL MEJOR ACTOR:

Mimi Brănescu por Marţi, după Crăciun (Tuesday, After Christmas)
(Rumanía, 2010)

PREMIO A LA MEJOR ACTRIZ (ex aequo):

Mirela Oprișor y Maria Popistașu por Marţi, după Crăciun (Tuesday, After Christmas)
(Rumanía, 2010)

PREMIO AL MEJOR GUIÓN:

Benjamin Heisenberg y Martin Prinz por Der Räuber (Alemania, 2010)

PREMIO "GIL PARRONDO" A LA MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA:

Vali Ighigheanu y Andreea Popa por Aurora
(Rumanía/Francia/Suiza/Alemania, 2010)

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO:

Tilva Rosh de Nikola Lezaic
(Serbia, 2010)

El Jurado Internacional de Cortometrajes de la 48ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, integrado por Antonio Weinrichter, Marta Andreu y Ángel Rueda, ha otorgado el:

PREMIO PRINCIPADO DE ASTURIAS AL MEJOR CORTOMETRAJE (ex aequo) a:

Coming Attractions de Peter Tscherkassky (Austria, 2010)
Y
Mercúrio de Sandro Aguilar (Portugal, 2010)

"Por compartir una misma voluntad de riesgo: el de experimentar, respectivamente, con la materia misma del cine y con su materia narrativa"

Mención Especial al cortometraje:

Fotografia de Victor Dragomir (Rumanía, 2010)

"Por su aguda capacidad de observación, con la que consigue universalizar un modesto episodio"

El Jurado de la sección No Ficción de la 48ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, integrado por: Antonio Weinrichter, Marta Andreu y Ángel Rueda ha concedido el PREMIO NO FICCION a la película:

Invernadero de Gonzalo Castro
(Argentina, 2010)

"Por construir una mirada cinematográfica sólida que trasciende el pacto documental"

Mención Especial:

The Forgotten Space de Noel Burch y Allan Sekula (Holanda/Austria, 2010)

"Por ser una buena muestra de ensayo fílmico como forma privilegiada para desarrollar la tarea urgente de pensar el mundo"

El público de la 48ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón ha concedido el PREMIO "RELLUMES" a la película:

The Happy Poet de Paul Gordon
(Estados Unidos, 2010)

El Jurado FIPRESCI de la 48ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, integrado por: Francisco Ferreira, Alexander Grozev y Carlos Losilla, ha concedido el PREMIO FIPRESCI a:

Meek's Cutoff de Kelly Reichardt
(Estados Unidos, 2010)

El Jurado Joven de la 48ª Edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por jóvenes de entre 17 y los 25 años, ha otorgado los siguientes premios:

PREMIO "Cajastur" DEL JURADO JOVEN AL MEJOR LARGOMETRAJE ex aequo:

"Por su capacidad para radiografiar los problemas de una pareja en crisis a través de un sólido guión y unas actuaciones notables, una de las elegidas es":

Blue Valentine de Derek Cianfrance
(Estados Unidos, 2010)

"Y, finalmente, por los distintos y ricos niveles de lectura que propone sobre las funciones y limitaciones del arte un filme que nos ha parecido de una belleza estética sublime, la otra elegida es":

Todos vós sodes capitáns de Oliver Laxe
(España, 2010)

PREMIO "Cajastur" DEL JURADO JOVEN, AL MEJOR CORTOMETRAJE:

The External World de David O'Reilly (Alemania/Irlanda, 2010)

"Por destilar un corrosivo humor con una incendiaria carga política a través de un uso apabullante de la animación digital, tendiendo a su vez puentes a otros lenguajes no fílmicos como el del videojuego o el de los cómics"

Los jóvenes espectadores de la sección "Enfants Terribles" por medio de sus votaciones, han otorgado los siguientes premios:

PREMIO ENFANTS TERRIBLES AL MEJOR LARGOMETRAJE PARA MENORES DE 13 AÑOS:

Iep! de Ellen Smit
(Holanda/Bélgica, 2010)

PREMIO ENFANTS TERRIBLES AL MEJOR LARGOMETRAJE PARA MAYORES DE 13 AÑOS:

Soulboy de Shimmy Marcus
(Reino Unido, 2010)

El Jurado de la sección "Día D'Asturies", formado por Justo Braga (en representación de la Radio Televisión del Principado de Asturias), Martin Pawley y Jesús Palacios ha concedido el premio "DÍA D'ASTURIES", patrocinado por TPA, EX-AEQUO a los cortometrajes:

La mirada circular de Iván Sainz-Pardo, Dirk Soldner y Jim-Box
y
Módulo 10 de Ángeles Muñiz y Teresa Marcos

El Jurado del Premio Nuevos Realizadores del Principado de Asturias, formado por José Vega, Ignacio Riestra, María del Puy Alvarado, José Manuel Sande y José Luis Cienfuegos y Patrocinado por el Instituto Asturiano de la Juventud (Consejería de Cultura y Turismo del Principado de Asturias) y Cajastur, ha concedido sus premios a los siguientes proyectos:

Primer Premio:
La chica que se baja del tren presentado por Elisa Cepedal

Segundo Premio:
Eremita Stew presentado por Juan Díaz-Faes Díaz

El jurado formado por Olimpia Pont, Guadalupe Arensburg y José Luis Cienfuegos, ha concedido el premio "PROYECTO CORTO CANAL + 2010" al proyecto de cortometraje titulado:

Voice Over presentado por Kamel Films y Kowalski Films, con guión de Luis Berdejo y dirigido por Martín Rosete.

48 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 8)

2010-11-27T09:00:00.001+01:00

Blue Valentine, de Derek Cianfrance. Sección Oficial.
Meek's Cutoff, de Kelly Reichardt. Sección Oficial.

Blue Valentine. Trailer.

El Festival Internacional de Cine de Gijón echa el cierre a la Sección Oficial y lo hace con dos películas estadounidenses protagonizadas por la actriz Michelle Williams, una presencia habitual en el certamen gijonés en los últimos años. La magnífica Blue Valentine es el primer largometraje dirigido por el hasta ahora documentalista Derek Cianfrance y se ha podido ver ya en Sundance y Cannes. Cianfrance, que también es el guionista del filme, tardó más de una década en sacar adelante este proyecto y, vistos los resultados, la espera ha merecido mucho la pena. Ryan Gosling y Michelle Williams, ambos ejerciendo como productores ejecutivos de la cinta, dan vida a Dean y Cindy, una pareja en crisis y padres de una niña pequeña. La historia arranca con la desaparición de la mascota de la familia, un suceso que resulta simbólico en el desarrollo de los acontecimientos venideros. Mezclando imágenes de diferentes texturas (16 mm. para el pasado y vídeo digital para el presente), asistimos como espectadores al deterioro progresivo e irreparable de la relación entre ambos, al mismo tiempo que se intercalan secuencias que nos muestran el inicio de su enamoramiento.

Ryan Gosling y Michelle Williams en Blue Valentine

Blue Valentine toma su título del album homónimo de Tom Waits y su mirada pesimista sobre las relaciones humanas convierte el visionado del filme en algo que por momentos llega a resultar doloroso. Cianfrance muestra un enorme talento para la creación de atmósferas, en la planificación de secuencias y en la dirección de actores. Su trabajo no parece el de un debutante y su implicación en la historia que está contando se deja sentir positivamente casi en cada plano. El brillante trabajo interpretativo de Ryan Gosling y Michelle Williams también ha sido unánimemente alabado allí donde se ha pasado la película y no será desde aquí donde se rebata. Ambos están soberbios en un trabajo a la altura de los respectivos talentos de las partes implicadas. De haber justicia, Blue Valentine, que cuenta también con una estupenda música de Grizzly Bear, debería figurar en el palmarés final de esta edición, pero aunque no fuera así tampoco empañaría los méritos de uno de los títulos del año.

También americana y también interpretada por Michelle Williams es Meek's Cutoff, último largometraje de Kelly Reichardt, presente en pasadas ediciones del Festival de Gijón con sus anteriores Old Joy y Wendy & Lucy. Como aquellas, Meek's Cutoff también compite en la Sección Oficial y cuenta con la participación de Todd Haynes en la producción ejecutiva. En esta ocasión, la acción se sitúa a mitad del siglo XIX en los desérticos parajes del oeste americano. Un grupo de colonos, guiados por Stephen Meek, se pierde en mitad de la nada. Con las reservas de alimentos y de agua menguando, el nerviosismo se va apoderando poco a poco de todos ellos. La captura de un nativo y su posterior utilización como guía de la expedición parece proporcionar al grupo la única posibilidad de supervivencia.

Basada en un personaje histórico, la película de Reichardt (que presentó el filme en el Teatro Jovellanos y contestó algunas de las preguntas del público al final de la proyección) participó en la sección oficial del pasado Festival de Venecia y muestra los mismos defectos y virtudes de pasados trabajos de su directora, ofreciendo la narración pausada y el desenlace anticlimático a los que nos tiene acostumbrados. Además de Michelle Williams, integran el reparto de la irregular Meek's Cutoff intérpretes tan consagrados como los veteranos Bruce Greenwood y Will Patton o el joven Paul Dano.

Michelle Williams en una imagen de Meek's Cutoff

48 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 7)

2010-11-26T14:00:00.234+01:00

Aurora, de Cristi Puiu. Sección Oficial.
La mitad de Óscar, de Manuel Martín Cuenca. Sección Oficial.
Jerichow, de Christian Petzold. Una cierta idea de cine. La Escuela de Berlín.

Aurora. Trailer.

Por causas que se desconocen, una película como Aurora ha podido rodarse e incluso tener un largo recorrido festivalero, que incluye paradas en citas de tanto prestigio como Cannes o Nueva York, antes de llegar finalmente a concursar en la Sección Oficial de Gijón 2010. Su director, guionista e intérprete principal, el polifacético rumano Cristi Puiu, quizá tenga un ego más largo aún que el metraje de su filme y sólo de esa forma se pueda intentar explicar este insondable misterio. Después de su anterior y reconocida La muerte del Sr. Lazarescu, Puiu se embarca ahora en esta "historia de un asesinato" protagonizada por un tipo lacónico que invierte su tiempo y el del espectador en perpetrar una serie de crímenes en apariencia absurdos y cuyo sentido último sólo se explica al final de sus apabullantemente desmedidas tres horas de duración. Sin apenas diálogos y con una cámara que actúa como testigo discreto y casi siempre alejado de la acción, resulta difícil rescatar de Aurora, como no sea su sugerente y enigmático cartel, algo más que un par de secuencias aisladas que destacan por su tono y resolución sobre el tedio restante. Presentada como la segunda entrega de una hexalogía sobre los extrarradios de Bucarest, la película de Cristi Puiu deja claro que conviene permanecer lo más alejado posible de las cuatro que aún quedan por venir.

El almeriense Manuel Martín Cuenca debutó como director hace ya algunos años con la estupenda La flaqueza del bolchevique, ejemplar y lúcida adaptación del libro homónimo del madrileño Lorenzo Silva. Tras la más desapercibida Malas temporadas, Martín Cuenca y los principales intérpretes de su película (Rodrigo Sáenz de Heredia, Verónica Echegui, Dennis Deyri y Antonio de la Torre) presentaron ayer en la Sección Oficial a concurso de Gijón su último trabajo, seleccionado también por el Festival de Toronto, titulado La mitad de Óscar.

Dejando claro de antemano que estamos ante una película más que apreciable e incluso por momentos brillante, me ha resultado curioso no haber leído aún en ninguna parte las más que evidentes semejanzas, que de tan numerosas no pueden ser tan sólo fruto de la casualidad, que guarda con otra película española estrenada justo hace ahora veinte años, la estupenda y maldita Contra el viento, único largometraje en la filmografía de su director (en la actualidad relegado a asistente de dirección), el también andaluz Paco Periñán. Quizá quien haya visto esa película protagonizada por unos jóvenes Antonio Banderas y Emma Suárez pueda deducir enseguida el misterio que envuelve buena parte de la historia de La mitad de Óscar, que por momentos llega a parecer hasta un remake de aquella. Sin embargo, Manuel Martín Cuenca firma la autoría del guion original junto con el cubano Alejandro Hernández y en ningún momento de los créditos se cita relación alguna con su más que obvio antecedente.

Con un magnífico trabajo de dirección que consigue dotar al filme de una personalísima atmósfera (como, por otra parte, también ocurría en Contra el viento), La mitad de Óscar es uno de los mejores trabajos vistos a concurso en esta edición del Festival de Gijón.

La Mitad De Óscar. Trailer.

Más conocidas son sin duda las también evidentes referencias argumentales de Jerichow, película escrita y dirigida por Christian Petzold y proyectada ayer noche como parte del ciclo Una cierta idea de cine. La Escuela de Berlín. Como si se tratara de una versión a la alemana de El cartero siempre llama dos veces, Thomas (Benno Fürmann), Ali (Hilmi Sözer) y Laura (Nina Hoss) forman un triángulo difícilmente equilátero que amenaza con romperse en cualquier momento. El primero de ellos es un soldado licenciado sin honores tras su paso por Afganistán y que pierde todo su dinero nada más regresar a su pueblo natal (el Jerichow que da título al filme) a manos de su insensible prestamista. Un peculiar y casual encuentro con el segundo, próspero comerciante de origen turco, le proporcionará una oportunidad de empleo y también posibles problemas a causa de la tercera, la joven y guapa esposa del empresario por la que Thomas se sentirá de inmediato atraído. Petzgold juega con la obvia cinefilia de la historia y altera a su modo la resolución del clásico literario de James M. Cain para acabar proponiendo una conclusión igualmente fiel a las reglas no escritas del género.

Benno Fürmann y Nina Hoss en una imagen de Jerichow

48 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 6)

2010-11-25T10:00:00.002+01:00

Putty Hill, de Matthew Porterfield. Rellumes.
Ferien, de Thomas Arslan. Una cierta idea de cine. La Escuela de Berlín.
Grown up movie star, de Adriana Maggs. Rellumes.

Putty Hill. Trailer.

La sección competitiva Rellumes, cuyo premio se otorga en base a las puntuaciones del público asistente a las proyecciones, ofrecía en la jornada de ayer dos nuevos títulos a concurso. El primero de ellos, la estadounidense Putty Hill, dirigida por Matthew Porterfield, supuso una notable decepción. Rodada en vídeo digital y con un estilo semidocumental que por momentos puede recordar al cine de Larry Clark, se trata de un personal acercamiento a una serie de personajes más o menos marginales que tienen en común ser familiares o amigos de un joven recientemente fallecido por sobredosis. Si bien el punto de partida puede parecer prometedor, la puesta en imágenes de Porterfield resulta cansina y arrítimica, sin conseguir en ningún momento de su -afortunadamente corto- metraje definir los objetivos reales de su propuesta. Plagada de secuencias innecesarias o directamente incomprensibles, Putty Hill cuenta con el protagonismo de las jóvenes actrices Sky Ferreira y Zoe Vance y se cierra de una forma tan críptica y hermética como el resto de su contenido anterior.

Se anunciaba la presencia de Thomas Arslan en Gijón para mantener un encuentro con el público a propósito del pase en los Cines Centro de su penúltimo filme, Ferien. Sin embargo éste no se llegó a producir finalmente por una repentina indisposición del realizador alemán. Su película, enmarcada en el ciclo Una cierta idea de cine. La Escuela de Berlín, repite de nuevo las constantes habituales vistas en los títulos precedentes y cuenta, en este caso, una historia de secretos y mentiras entre los diferentes miembros de una familia que se reúne por vacaciones en el idílico entorno en que se ubica la casa materna. Los diferentes conflictos latentes entre todos los personajes de la historia se van desvelando al ritmo pausado del relato y terminan desembocando en una resolución alejada de estridencias. Protagoniza por unos estupendos Angela Winkler, Karoline Eichhorn, Uwe Bohm y Anja Schneider, dentro de un reparto coral, Ferien pasa por ser uno de los títulos imprescindibles de esta corriente fílmica a la que el festival rinde homenaje y Arslan uno de sus directores más destacados.

Karoline Eichhorn y Uwe Bohm en una imagen de Ferien

Ferien. Trailer.

Con argumento y temática quizás más propios de la sección Enfants Terribles que de la propia Rellumes, la producción canadiense Grown up movie star, de la escritora y directora Adriana Maggs, ha significado una notable mejoría sobre el nivel medio de los títulos vistos en los últimos días de certamen. Centrada en el despertar sexual de una adolescente en medio de una una familia desestructurada, pero abarcando a lo largo de su guion una amplia galería de personajes heterogéneos, la película se las arregla para tratar un conjunto de temas poco complacientes de una forma cercana y asequible para el gran público.

Cuando su madre parte a buscar fortuna como actriz a California, Ruby (Tatiana Maslany, Premio Especial en Sundance) y su hermana pequeña, Rose (Julia Kennedy), se quedan al cuidado de su padre, Ray (Shawn Doyle), un jugador de hockey retirado que en tiempos pretéritos llegó a militar en la NHL. Ruby también quiere ser una estrella y su falso tío Stuart (Jonny Harris), en silla de ruedas por un misterioso accidente de caza, está dispuesto a ayudarla con su cámara fotográfica. Una serie de equívocos y malentendidos terminarán por desencadenar los acontecimientos en un filme que, a diferencia de unos cuantos vistos en lo que llevamos de festival, muestra una adecuada progresión narrativa en su desarrollo, algo que lo convierte en un claro favorito para el premio de votación popular.

Grown Up Movie Star. Trailer.

48 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 5)

2010-11-24T10:00:00.005+01:00

Año bisiesto, de Michael Rowe. Sección Oficial.
How i ended this summer, de Aleksei Popogrebsky. Sección Oficial.

Año bisiesto. Trailer.

De nacionalidad mexicana y ambientada en un pequeño y destartalado apartamento del DF, Año bisiesto supone el primer trabajo cinematográfico del australiano nacionalizado mexicano Michael Rowe y que después de ganar la Cámara de Oro, tras su paso por la Quincena de Realizadores del último Festival de Cannes, compite ahora en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de Gijón. Su protagonista, Laura, es una periodista solitaria de la que no se muestra más contacto con el exterior (el teletrabajo parece funcionar en México) que las superficiales llamadas teléfonicas de su madre, las esporádicas visitas de su hermano menor o sus ocasionales escarceos sexuales con amantes de una sola noche.

Todo su universo cotidiano parece tambalearse cuando conoce a Arturo, un hombre con el que inicia una relación más tormentosa de lo habitual y cuyas consecuencias cambiarán la existencia de Laura. Rodada íntegramente en escenarios interiores, de narración pausada y clautrofóbica, Año bisiesto otorga el protagonismo absoluto a la actriz Mónica del Carmen e insinúa de forma reveladora algunos hechos trascendentales en el pasado de su personaje. La película de Michael Rowe ofrece detalles interesantes en su retrato de la soledad urbana dentro de un conjunto general que, sin embargo, acaba resultando demasiado premioso.

Tampoco destaca precisamente por su dinamismo How i ended this summer, el segundo título a concurso dentro de la Sección Oficial proyectado en la jornada de ayer. Ambientada en un único escenario (una inhóspita estación meteorológica en mitad del Ártico) y con tan sólo dos personajes (dos técnicos dedicados a la medición de radiactividad, el veterano y amargado Sergei y el joven e inexperto Pavel), el director de este artefacto fílmico, el realizador ruso Aleksei Popogrebsky, necesita algo más de dos horas de metraje para contar una historia argumental mínima que se estira y estira en forma de planos, pretendidamente líricos pero en la práctica interminables y cansinos, de inexplicable motivación. Estilística y temáticamente fallida, How i ended this summer obtuvo sin embargo varios premios en la última edición del Festival de Berlín (interpretación de sus actores y para la fotografía de Pavel Kostomarov), lo que demuestra una vez más que los gustos de los jurados son siempre un misterio.

How i ended this summer. Trailer.

48 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 4)

2010-11-23T15:00:00.001+01:00

Sehnsucht, de Valeska Grisebach. Una cierta idea de cine. La Escuela de Berlín.
brilliantlove, de Ashley Horner. Rellumes.

Sehnsucht. Trailer.

Después de dos jornadas completas más que dignas, la de ayer supuso el esperado contrapunto con dos títulos decepcionantes cuando no directamente fallidos. La alemana Sehnsucht, escrita y dirigida por Valeska Grisebach, ganó el Premio de Mejor Película y el Premio FIPRESCI en el Festival de Gijón 2006. Dadas las constantes meteduras de pata de los diferentes jurados que ha tenido el certamen gijonés a la largo de su historia reciente, uno no podía saber de antemano si esas credenciales del filme eran o no positivas. La cinta, ambientada en un cerrado entorno rural, arranca con su protagonista, Markus, socorriendo a los heridos de lo que parece ser un accidente automovilístico pero que en realidad se trata del intento (parcialmente frustrado) de suicidio de una pareja.

Posteriormente Markus, del que sólo sabemos apenas que está muy enamorado de su pareja, conoce fortuitamente a otra mujer y se establece a partir de entonces un triángulo sentimental que tal parece una precuela de Tuesday, after Christmas. Sin embargo Sehnschut despoja de diálogos su desnudo guion para recalcar de esta forma los problemas de comunicación de sus protagonistas y convierte en interminables sus escasos ochenta y cinto minutos a fuerza de estirar hasta una duración estándar una historia que no da para ello.

Presentada en los Cines Centro por su director y productor, el británico Ashley Horner, la pretendidamente poética y luminosa brilliantlove compite dentro de la Sección Rellumes y cuenta lo que intenta ser la historia de amor entre Noon y Manchester, una pareja formada por dos jovenes sin oficio ni beneficio que se dedican a copular intensivamente en el garaje en el que habita el segundo. En sus ratos libres Noon diseca pájaros y Manchester saca fotos de ambos en plena realización del acto sexual. De forma bastante improbable, las fotos de él acaban llegando a manos de un empresario del negocio del entretenimiento para adultos que de la noche a la mañana decide convertir a Manchester en un reputado artista. Lógicamente, el dinero y la fama empañarán la relación de los protagonistas y bla, bla, bla.

No es ya que la historia de brilliantlove, rodada en vídeo digital, no dé para un largo, es que ni siquiera debería haber pasado del argumento de un videoclip. Tres minutos de imágenes con fondo musical podrían contar exactamente lo mismo para lo que Ashley Horner necesita más de hora y media de metraje, incluidos varios amagos de final en los que parece que la película va a echar el cierre pero decide continuar otra secuencia más. En el breve coloquio posterior, Horner dijo haber trabajado en el guion de su filme durante tres años y contó al público presente las dificultades que tuvo para encontrar financiación para un trabajo que explora, según sus propias palabras, los límites con la pornografía y que está protagonizada por Liam Browne y Nancy Trotter Landry, dos intérpretes sin experiencia previa en el cine.

brilliantlove. Trailer.

48 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 3)

2010-11-22T17:30:00.001+01:00

Todas las canciones hablan de mí, de Jonás Trueba. Sección Oficial.
Animal kingdom, de David Michôd. Sección Oficial.
Tuesday, after Christmas, de Radu Muntean. Sección Oficial.

Se he repetido con bastante frecuencia en estas últimas semanas el hecho insólito de que, por primera vez desde que la actual organización del Festival Internacional de Cine de Gijón asumiera, hace ya quince años, la gestión del certamen, tres películas españolas formen parte de la Sección Oficial a concurso. El cine español ha estado tradicionalmente apartado de la competición en Gijón y títulos tan poco afortunados como El ángel de la guarda o la inenarrable La línea recta tampoco dejaron al espectador gijonés con muchas ganas de más. En esta edición, sin embargo, la española es la nacionalidad mayoritaria entre los filmes de la sección competitiva y el primero de todos ellos en presentarse al público ha sido Todas las canciones hablan de mí, primera realización de Jonás (Groucho) Trueba, hijo del oscarizado Fernando Trueba y sobrino del también cineasta, columnista y escritor David Trueba.

Bárbara Lennie, protagonista femenina de Todas las canciones hablan de mí

Dados sus orígenes familiares, parecía inevitable que llegara este momento y, al tiempo, podrían esgrimirse razonados prejuicios sobre el debut en la realización de largometrajes del hasta ahora guionista de obras como Más pena que gloria, Vete de mí o El baile de la victoria. Pero lo cierto es que la película de Jonás Trueba consigue fundir con bastante acierto toda la cinefilia de su autor en una historia intemporal sobre los encuentros y desencuentros de una pareja de jovenes universitarios en el Madrid actual. Estructurada en forma de episodios y con unas muy notables interpretaciones de todos sus protagonistas, especialmente del omnipresente Oriol Vila en un papel nada fácil, la cinta ofrece numerosos hallazgos visuales que uno nunca puede saber con certeza si son originales o sólo homenajes que Jonás rinde a quienes considera su maestros y referencias. Sea como sea, Todas las canciones hablan de mí es una ópera prima más que apreciable que anticipa una carrera prometedora.

Animal Kingdom. Trailer.

Presentada por el ubicuo Pepe Colubi en un totalmente abarrotado Teatro Jovellanos (momento que un espectador imbécil aprovechó para reclamar desde la grada un lamentable protagonismo que estaba lejos de merecer), la cinta australiana Animal kingdom llegaba a la Sección Oficial de Gijón tras recibir el Gran Premio del Jurado en el último Sundance. Protagonizada por Joshua "J" Cody (James Frecheville), un adolescente huérfano al cuidado de sus tíos y abuela -familia mafiosa dedicada al tráfico de drogas en la ciudad de Melbourne- la película escrita y dirigida por David Michôd se centra más en la creación de una atmósfera angustiosa e inquietante que en la fuerza y solidez de su, en ocasiones, algo endeble guion.

Sullivan Stapleton y Jacki Weaver en una imagen promocional de Animal kingdom

Tras un arranque un tanto disperso y dubitativo, la película va ganando intensidad según se precipitan los acontecimientos criminales para mostrar su mejor cara en los momentos finales, si bien su conclusión se presta a diversas interpretaciones sobre su discutible mensaje moral. Naturalista en el retrato gangsteril, incluso con un divertido homenaje metido con calzador a Uno de los nuestros (véase la preparación de la salsa para la pasta), Animal kingdom ofrece buenas actuaciones de todo su reparto coral, con mención especial para el honesto policía Guy Pearce y, sobre todo, los malvados Ben Mendelsohn, como el frío Andrew "Pope" Cody, y Jacki Weaver, en el papel de la implacable y cínica matriarca del perverso clan.

Rumanía participa con dos títulos a concurso en esta edición del Festival de Cine de Gijón. El primero de ambos, presentado en la noche de ayer en pase de prensa y acreditados en el Teatro Jovellanos, es Tuesday, after Christmas (Marți, după Crăciun), escrito y dirigido por Radu Muntean. Se trata de una historia de concepción casi teatral que muestra las dudas y luchas internas que sufre un hombre de mediana edad que debe decidir entre seguir con su esposa u optar por su joven amante, todo ello en vísperas de las frías navidades rumanas. Con gran precisión en los detalles y en el análisis de los personajes, la película recuerda en su minuciosa disección de la separación y el divorcio a lo que ya hiciera con el aborto Cristian Mungiu en la, por otra parte, muy tendenciosa y moralista 4 meses, 3 semanas y 2 días.

Mimi Branescu y Maria Popistasu en una imagen de Tuesday, after Christmas

Excelentemente interpretada por su eficaz triángulo protagonista (con Mimi Branescu como el indeciso Paul, Maria Popistasu como su joven amante Raluca y, sobre todo, por la estupenda Mirela Oprisor, en el papel de la abandonada y sufridora esposa), Tuesday, after Christmas podría proporcionar a alguno de los tres uno de los premios de interpretación en el palmarés final del certamen gijonés si los miembros del Jurado Internacional lo tienen a bien.

Tuesday, after Christmas. Trailer

48 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 2)

2010-11-21T14:00:00.001+01:00

Bungalow, de Ulrich Köhler. Una cierta idea de cine. La Escuela de Berlín.
Klassenfahrt, de Henner Winckler. Una cierta idea de cine. La Escuela de Berlín.

UNA CIERTA IDEA DE CINE. LA ESCUELA DE BERLÍN

"Distanciamiento emocional, naturalismo visual, perspectiva implacablemente realista. La gran virtud de los cineastas adscritos a la Escuela de Berlín se halla en su habilidad para mostrar las fisuras de lo cotidiano y en hacerlo de la manera más esencial posible"

Javier H. Estrada. Cahiers du Cinéma - España

El ciclo Una cierta idea de cine. La Escuela de Berlín, programado en la presente edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, engloba una serie de películas facturadas por una nueva generación de cineastas alemanes que comparten unas mismas señas de identidad. La programación del certamen ofrecía en el día de ayer, en una jornada de lo más inclemente meteorológicamente hablando, la posibilidad de comprobarlo con la proyección de dos títulos, estrenados ambos en el año 2002. Bungalow, ópera primera de Ulrich Köhler, y Klassenfahrt, también primera realización de Henner Winckler, ofrecen numerosos puntos en común, tanto temáticos como estilísticos, en sus retratos generacionales de dos etapas de la juventud.

Trine Dyrholm en una imagen de Bungalow

Bungalow empieza con la cámara siguiendo a un camión militar lleno de soldados que se detiene en una estación de servicio. Es entonces cuando Paul, su joven protagonista, decide escaparse a la casa de sus padres, de vacaciones en ese momento por Italia. Una vez allí es sorprendido por la llegada de su hermano mayor con su novia danesa, una guapa aspirante a actriz. Sólo ésta parece sacar a Paul mínimamente de su indiferente indolencia.

La película, que ganó premios en el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI) y también en el Festival de Tesalónica, se sigue casi con la misma desorientación que muestra su personaje central, cuya arbitraria conducta rebelde no siempre empatiza lo suficiente con el espectador. La desconcertante resolución de la historia tampoco consigue despejar todas las dudas sobre las auténticas pretensiones de lo narrado por Ulrich Kóhler.

Klassenfahrt, por su parte, es una coproducción germano-polaca que muestra a un grupo de adolescentes alemanes de viaje de estudios por la costa de Polonia y que fija su atención en la incipiente relación entre Isa, la chica guapa del instituto, y Ronny, el raro de la clase.

Los problemas de comunicación típicos de la edad complican la comunicación entre ambos y la aparición de un impulsivo lugareño interesado en la joven aumentarán la dificultad de la tarea de Ronny. Como si se tratara de la película de un Rohmer redivivo pero despojada de la mayoría de sus diálogos, Klassenfahrt encuentra en el naturalismo de sus interpretaciones su mejor baza, aunque no consigue desprenderse del todo de una molesta sensación de intrascendencia en sus pretensiones, por más que añada a la ecuación un golpe de efecto imprevisto que actúa a modo de catalizador de los sentimientos de sus dos protagonistas.

Bartek Blaszczyk, Sophie Kempe y Steven Sperling en Klassenfahrt

48 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 1)

2010-11-20T14:00:00.002+01:00

I'm Still Here, de Casey Affleck. Inauguración. Sección Oficial.

La cuadragésima octava edición del Festival Internacional de Cine de Gijón arrancó ayer en el Teatro de La Laboral y lo hizo, como es costumbre, con un prólogo musical que en esta ocasión corrió a cargo de Vinila Von Bismark & The Lucky Dados. El conjunto madrileño interpretó tres canciones ("Oh, baby", "I'll rob your soul" y "Where's my sugar?") a modo de anticipo de su concierto posterior en el Casino de Asturias. Algo más tapada de lo que en ella es habitual, la que fuera cantante del grupo Krakovia dio paso poco tiempo después al presentador de la gala de inauguración. El periodista Pepe Colubi subió al minimalista escenario de La Laboral y condujo con soltura y naturalidad una ceremonia breve y austera, con una introducción divertida que terminó incluso con una referencia a la reciente polémica futbolística entre los entrenadores del Real Madrid y el Sporting, atizada por la prensa, ("Como dijo François Truffaut: Preciado tiene razón, Mourinho ye un faltosu").

Quizá temorosos de que estos graves insultos al técnico portugués provocasen la actuación del Comité Antiviolencia y la reacción de Jorge Valdano, los homenajeados por el festival que subieron ayer al escenario (Johannes Nyholm, Reynold Reynolds y Kim Longinotto) y los representantes del Jurado Internacional (Rui Pereira, Ana Torrent y Pablo Stoll Ward) fueron extremadamente breves en sus intervenciones y la gala fue una de las más cortas que se recuerdan en los últimos años. Por último, la periodista de Radio Nacional Conchita Casanovas presentó el Premio Nacho Martínez, concedido en la presente edición a la actriz salmantina Charo López. Emocionada y muy aplaudida por los espectadores que llenaban el auditorio (de los que quizás el 10% había incluso pagado el precio de su entrada), la protagonista de agradeció a José Luis Cienfuegos, director del certamen, el haberse acordado de ella y expresó su deseo de volver a actuar pronto en el Teatro Jovellanos.

A finales del año 2008 comenzó a circular el rumor de que el actor Joaquin Phoenix había decidido retirarse de la interpretación y que su deseo era convertirse en cantante de hip hop. El dos veces nominado al Oscar comenzó a aparecer en actos públicos con una imagen desastrada y poco higiéncia, incluida una larga y desaseada barba que se convirtió en objeto de mofas varias, y que parecía mostrar a una persona desnortada y perdida. Al mismo tiempo también surgieron ya los rumores que decían que todo formaba parte de un montaje para una película documental que estaba rodando su cuñado, el también actor y director Casey Affleck. El pasado verano se estrenó en el Festival de Venecia I'm still here, resultado filmado de esta pretendida transformación del protagonista de En la cuerda floja. Pocas semanas después se anunció que todo se trataba en realidad de una gran broma y que el personaje que se muestra en el documental firmado por el menor de los Affleck no tiene nada de real.

Una vez despejado el interrogante que daba mayor sentido a la película y que, por otra parte, confirma la gran interpretación de Phoenix, cuya simulada autodestrucción física y moral podría terminar por proporcionarle una buena cantidad de galardones, I'm still here resulta un filme inclasificable que alterna momentos ridículos con algunos francamente divertidos, aunque definitivamente parece un título poco apropiado para el público habitualmente presente en la inauguración del festival y que en número abundante abandonó la sala durante el transcurso de la proyección. Quizá inspirada en otros experimentos fílmicos recientes de difícil catalogación, como los Borat y Brüno del actor inglés Sacha Baron Cohen, I'm still here se convierte por derecho en la mejor película de su propio género.

I'm Still Here. Trailer.

48 Festival Internacional de Cine de Gijón (Día 0)

2010-11-19T18:30:00.001+01:00

Cuenta atrás para el inicio de una nueva entrega del Festival Internacional de Cine de Gijón. En una edición marcada por la crisis económica (un día menos de programación, ciclos y retrospectivas indudablmente más modestos que en ocasiones precedentes), el ahorro presupuestario también se ha dejado sentir en la elección del maestro de ceremonias de la gala inaugural. Pepe Colubi, periodista, escritor, locutor radiofónico y presentador televisivo, ofrece un perfil más bajo que el de sus últimos predecesores en el puesto y una extraña sensación de "todo queda en casa" por cuanto fue, en el pasado, estrecho colaborador de la organización del certamen gijonés. "En esa etapa también supe del calor de los focos, pues presentaba ruedas de prensa, mesas redondas y las películas de la Sección Oficial en el Jovellanos. La responsabilidad de la gala es nueva y distinta, pero espero que estos focos no me tuesten hasta carbonizarme", afirma Colubi en el periódico oficial del 48º FICXixón. Por contra, el título elegido este año, el falso documental I'm still here, dirigido por Casey Affleck y protagonizado por Joaquin Phoenix, con su reciente y aplaudido paso por Venecia incluido, parece escapar de esos parámetros de ahorro y austeridad anteriormente comentados.

A pesar de la completa recuperación del Teatro Jovellanos como sede central del festival, el Teatro de La Laboral vuelve a ser nuevamente la sede elegida para levantar el telón del certamen. Una decisión discutible por los muchos inconvenientes que mostró el pasado año, incluyendo los habituales fallos en las proyecciones (sesiones de inauguración y clausura incluidas) o las dificultades de acceso y aparcamiento del recinto. La Laboral acogerá también los pases de la mayoría de las películas de la veterana sección Enfants Terribles.

Charo López será protagonista en la ceremonia. La actriz madrileña recibirá durante la gala inaugural el Premio Nacho Martínez 2010 y Vinila Von Bismark & The Lucky Dados abrirán con su concierto de esta noche en el antiguo cine Hernán Cortés, convertido ahora en el Casino de Asturias, la programación musical del FICX. We are standars o los ubicuos Love of lesbian formarán también parte de la oferta sonora de la semana de cine gijonesa.

La actriz Charo López en Ditirambo, dirigida por Gonzalo Suárez en 1969

El Jurado Internacional encargado de valorar los quince títulos que integran la Sección Oficial a concurso de este año, y del que es baja de última hora el neoyorquino Lodge Kerrigan, está compuesto por la actriz española Ana Torrent, el guionista y director uruguayo Pablo Stoll Ward, el programador portugués Rui Pereira y el dramaturgo, guionista y director madrileño Juan Cavestany. Los críticos Francisco Ferreira, Alexander Grozev y Carlos Losilla formarán el Jurado FIPRESCI y Antonio Weinrichter, Marta Andreu y Ángel Rueda premiarán los trabajos de No Ficción y los Cortometrajes de la Sección Oficial.

La programación competitiva del FICX se complementa por segunda vez consecutiva con la sección Rellumes. Las habituales Esbilla, Llendes y Día D'Asturies repiten un año más. Las retrospectivas de esta edición están dedicadas a la documentalista Kim Longinotto, Eugène Green, Johannes Nyholm y el norteamericano de Alaska Reynold Reynolds. Completan la programación los ciclos Una cierta idea de cine: La escuela de Berlín y ¿Europa? ¿Qué Europa?, coordinado por la analista cinematográfica Nuria Vidal.

Canción "Carne fresca" (ECHTRA EP)
Artista: ECHTRA

Octubre 2010

2010-11-01T01:30:00.001+01:00

Teniente corrupto (The bad lieutenant: Port of Call - New Orleans), de Werner Herzog. 2009. 08/10/2010. ***
A serbian film (Srpski film), de Srdjan Spasojevic. 2010. 12/10/2010. **
Hermanos (Brothers), de Jim Sheridan. 2009. 13/10/2010. ****
The killer inside me, de Michael Winterbottom. 2010. 17/10/2010. ***
Oculto, de Antonio Hernández. 2005. 20/10/2010. ***
El rey de la montaña, de Gonzalo López-Gallego. 2007. 21/10/2010. **
Fanny Pelopaja, de Vicente Aranda. 1984. 24/10/2010. ***
Te doy mis ojos, de Icíar Bollaín. 2003. 25/10/2010. ***

A la fuga (Hit and run), de Enda McCallion. 2009. 26/10/2010. *
Exam, de Stuart Hazeldine. 2009. 31/10/2010. **
Machete, de Ethan Maniquis y Robert Rodríguez. 2010. 31/10/2010. ***

Septiembre 2010

2010-10-01T00:45:00.000+02:00

American Psycho, de Mary Harron. 2000. 02/09/2010. ***
Camino a casa (Raising Victor Vargas / Long way home), de Peter Sollett. 2002.
03/09/2010. ***
Vinieron de dentro de... (Shivers / They came from within), de David Cronenberg. 1975.
03/09/2010. **
Inseparables (Dead ringers), de David Cronenberg. 1988. 04/09/2010. ***
La dalia negra (The black dahlia), de Brian de Palma. 2006. 05/09/2010. **

Doris Dörrie. Nació en Hannover (Alemania) en 1955. Logra un notable éxito con Hombres, hombres, lo que le permite rodar en Estados Unidos la comedia Lo mío y yo, burdamente repetitiva, que queda muy lejos de los logros que alcanzó en Europa.

Hombres, hombres (Männer...), de Doris Dörrie. 1985. 07/09/2010. ***
Nadie me quiere (Keiner liebt mich), de Doris Dörrie. 1994. 14/09/2010. ***
Sabiduría garantizada(Erleuchtung garantiert), de Doris Dörrie. 1999. 20/09/2010. ***
Desnudos (Nackt), de Doris Dörrie. 2002. 22/09/2010. ***
Cerezos en flor (Kirschblüten - Hanami), de Doris Dörrie. 2008. 23/09/2010. *****

Cartas desde Iwo Jima (Letters from Iwo Jima), de Clint Eastwood. 2006. 26/09/2010. ***

Agosto 2010

2010-09-01T14:00:00.000+02:00

Henri-Georges Clouzot. Nació en Niort (Francia) el 20 de noviembre de 1907. Estudió varias doctrinas académicas, entre ellas Matemáticas, Derecho y Ciencias Políticas. Ha desarrollado una intensa labor como guionista, tomando parte siempre en la elaboración de los diálogos de sus películas. Ha sido premiado en diversos festivales y su película más conocida, El salario del miedo, obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1953. Murió en París el 12 de enero de 1977.

Manon, de H. G. Clouzot. 1949. 02/08/2010. **
El salario del miedo (Le salaire de la peur), de H. G. Clouzot. 1953. 05/08/2010. ***
Las diabólicas (Les diaboliques), de H. G. Clouzot. 1955. 07/08/2010. ****

Canino (Kynodontas), de Giorgos Lanthimos. 2009. 08/08/2010. ***
2012, de Roland Emmerich. 2009. 08/08/2010. *
El escritor (The ghost writer), de Roman Polanski. 2010. 09/08/2010. ****
Las vidas posibles de Mr. Nobody (Mr. Nobody), de Jaco Van Dormael. 2009.
13/08/2010. **

Claude Chabrol. Nació en París el 24 de junio de 1930. Es uno de los representantes más cualificados de la nouvelle vague francesa. Comenzó su actividad como crítico en Cahiers du cinéma. Escribió un notable libro sobre Alfred Hitchcock en colaboración con Eric Rohmer. Sus películas han alternado la comercialidad descarada con los temas más serios: el complejo de culpabilidad y los ataques a la burguesía convencional. En los últimos años ha centrado su actividad más en la televisión que en el cine.

La mujer infiel (La femme infidèle), de Claude Chabrol. 1969. 16/08/2010. ***
El carnicero (Le boucher), de Claude Chabrol. 1970. 17/08/2010. ****
Al anochecer (Juste avant la nuit), de Claude Chabrol. 1971. 18/08/2010. **
Un asunto de mujeres (Une affaire de femmes), de Claude Chabrol. 1988.
21/08/2010. ***
El infierno (L'enfer), de Claude Chabrol. 1994. 21/08/2010. ***
La ceremonia (La cérémonie), de Claude Chabrol. 1995. 22/08/2010. ***

Carretera al infierno (The hitcher), de Dave Meyers. 2007. 22/08/2010. **
En la ciudad sin límites, de Antonio Hernández. 2002. 25/08/2010. ****
Millennium 2. La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina
(Flickan som lekte med elden), de Daniel Alfredson. 2009. 31/08/2010. **
Millennium 3. La reina en el palacio de las corrientes de aire
(Luftslottet som sprängdes), de Daniel Alfredson. 2010. 31/08/2010. **

Las Vidas Posibles De Mr. Nobody, de Jaco Van Dormael

2010-08-16T19:30:00.007+02:00

Hace casi veinte años que se estrenó en España Totó el héroe, la primera película del director belga Jaco Van Dormael y que recibió buena acogida por la crítica. Hace catorce se estrenó El octavo día, segundo trabajo de Van Dormael con una acogida ya no tan buena. Ahora llega a las pantallas su tercera realización, Las vidas posibles de Mr. Nobody, estreno de fechas veraniegas que pasó el otoño anterior por el Festival de Sitges y que está protagonizada por los reconocidos Jared Leto, Sarah Polley y Diane Kruger.

No ha habido unanimidad en el recibimiento al artefacto de Van Dormael. No cosechó grandes parabienes en Sitges pero me ha sorprendido encontrar ahora buenas valoraciones por parte de críticos tan poco propensos a los vanguardismos y las moderneces como son Carlos Boyero o Rodríguez Marchante. Y es que Las vidas posibles de Mr. Nobody no es plato para todos los gustos y ni siquiera está claro que esté bueno.

Jared Leto y Diane Kruger en Las Vidas Posibles De Mr. Mobody

La película, de argumento confuso e inclasificable pero que puede ser que trate de los distorsionados recuerdos del último hombre mortal en los momentos finales de su vida en un futuro próximo, está hecha se diría que con el único objetivo de sacudir al espectador a base de un montaje -visual y sonoro- brillante y pomposo pero que, desafortunadamente, va perdiendo fuelle según avanza su injustificadamente alargadísimo metraje. Mientras le dura la cuerda del interés, la historia de Mr. Nobody se sigue con lejana e inofensiva curiosidad. Incluso permite disfrutar de los millones de heterogéneas referencias cinéfilas metidas con mayor o menor acierto y que dan la posibilidad de jugar a adivinar la película de la que está fusilado cada plano-homenaje. Después de 2001: una odisea del espacio, Harold y Maude, Lawrence de Arabia o Nueve semanas y media creo que perdí la cuenta y ya sólo tenía deseos de que llegara el final de la historia. Y el final, como casi todo lo que antecede, es gratuito y olvidable con efecto inmediato.

En el capítulo interpretativo, Jared Leto se pasa la mitad del filme enterrado bajo kilos de grotesco maquillaje y la otra mitad poniendo cara de pasmo. Por su pate, Sarah Polley y Diane Kruger deambulan por el relato tan perdidas y desubicadas como los propios personajes que interpretan. En resumen, Las vidas posibles de Mr. Nobody se termina revelando como puro fuego de artificio revestido de intrascendente grandilocuencia. Apabullante intento de no se sabe muy bien qué realizado no se sabe muy bien cómo que naufraga sin remisión en las procelosas aguas de su propia vacuidad.

Las Vidas Posibles De Mr. Nobody. Trailer.

Las Vidas Posibles De Mr. Nobody. Trailer Español.